INTERVIEW WITH
ENZO PIETROPAOLI
«C’è sempre qualcosa da imparare e spesso quel qualcosa che continuo a cercare non è un “di più” ma un “di meno” , anche qui l’obiettivo deve essere quello di sentirsi in sintonia con le proprie capacità, evitando, per quanto possibile, clichè e modelli, accettando con amore i propri limiti per farli diventare un motivo di riconoscibilità»
........................... «There’s always something to learn and the thing I keep searching is not a “plus” but rather a “minus”; even there, we should aspire to be more in touch with ourselves, by overstepping the clichè and the patterns, and by accepting with love our limits so as to make them a distinguishing feature» |
NEI meandri DEL JAZZ e TRA I suoi miti, IL RACCONTO DI UNA CARRIERA INESTIMABILE E AUTENTICA Enzo Pietropaoli è memoria storica del jazz italiano. E non solo: Enzo ha attraversato la “materia” del jazz in modo multiforme, intelligente, sempre all’insegna di un’inquieta e costruttiva curiosità. Contrabbassista dotato e sensibile ma anche bassista elettrico in costante equilibrio tra partiture nervose à la Davis elettrico e lirismo misurato e prezioso, Enzo Pietropaoli è stata una delle anime (belle) dell’indimenticato progetto Lingomania - che ci fece finalmente sognare “elettricamente” anche in Italia, alla fine degli ottanta - e al contempo laborioso e insostituibile collaboratore di Enrico Pieranunzi (con la lunga militanza nel leggendario Space Jazz Trio), Chet Baker, Enrico Rava, Roberto Gatto, Maria Pia De Vito, il mai troppo rimpianto cantautore Gianmaria Testa e tanti altri nomi di grande rilievo e caratura. Un musicista a tutto tondo, esploratore infaticabile di commistioni tra pop, rock e jazz con il combo Doctor 3 (con Danilo Rea e Fabrizio Sferra), al fianco del chitarrista Lanfranco Malaguti in tanti riusciti progetti, e artefice di una produzione a proprio nome quanto mai variegata e basata sul semplice (ma arduo, in quanto a possibile attuazione) principio del work in progress. |
JUST BEHIND THE MYTHS OF JAZZ, THE STORY OF AN AUTHENTIC AND PRICELESS CAREER Enzo Pietropaoli is the historical memory of the Italian jazz. An not just of it: Enzo went into the substance of jazz in a multifaceted as well as clever manner always inspired by his own restless and creative curiosity. He’s a skilled and very appreciable musician both on upright and electric bass, a talent kept in constant balance between nervous sores in the manner of the “electric” Davis and an unlimited and precious lyricism. Enzo Pietropaoli has been one of the beautiful souls of the unforgettable Lingomania project which made us dream about the possible spread of electric jazz also here in Italy at the end of the ‘80th – and meanwhile he has collaborated with Enrico Pieranunzi (with his essential work with legendary Space Jazz trio), not to mention Chet Baker, Enrico Rava, Roberto Gatto, Maria Pia De Vito, never too mourned Gianmaria Testa and many other relevant and fine in carat names. He’s a well-rounded artist, who never stops experimenting with pop, rock and jazz hybridisations in the combo Doctor 3 (together with Danilo Rea and Fabrizio Sferra) and along with the guitarist Lanfranco Malaguti in many successful projects, being the producer of an extremely multilayered work under his name based on the “work in progress” rule. |
Enzo Pietropaoli si è cimentato nel tempo con lavori ora più vicini allo spirito Lingomania (il primo album, l’elegante Orange Park), talvolta cameristici (“To”, a firma Enzo Pietropaoli Strings Project), e in ossequio alla sua aurea norma di perseguire ricerca ed esperienze è approdato fino alla formula di contrabbasso solo, distinguendo un vero e proprio “uomo e contrabbasso” (con il bellissimo nomen omen “Solo”, del 2015, per Fonè) da un rischioso e riuscitissimo “uomo, contrabbasso e elettronica” (il seducente “Nota di basso”, uscito nel 2008). E ancora, tra il 2011 e il 2015, la trilogia “Yatra”, in compagnia di Julian Mazzariello, Fulvio Sigurtà e Alessandro Paternesi, tre album caleidoscopici e brillanti in cui la parola “classicità” torna a esprimere valore e non a ricordare chiusure al nuovo che non sono proprio nel DNA del musicista genovese, romano d’adozione. Nel novero delle incisioni come leader e co-leader, Pietropaoli rafforza la nobiltà della formula in duo con progetti che lo vedono ora al fianco di Adriano Viterbini dei Bud Spencer Blues Explosion (Futuro Primitivo, 2013), ora della cantante Eleonora Bianchini (con due capitoli, “Dos” e “Dos In Sight”), ma anche con l’accordeonista Emanuele Rastelli (il suggestivo e sorprendente Duolosophy, del 2009). |
Enzo Pietropaoli has been confronted over the years with projects sometimes closer to the spirit of Lingomania (the first elegant album “Orange Park”), other times inspired by chamber-music (“To” signed by Enzo Pietropaoli Strings Project) and in accordance to his gold approach to research and experiences he has reached double bass solo formula, creating two distinctive figures described as a “man and his own double bass” (with the album “Solo” in name and in essence released in 2015 by Fonè Records) and in the form of “man, double bass and electronic” (the seductive “Nota di basso”, released in 2008) and moreover between 2011 and 2015 it’s the turn of the trilogy “Yatra”, together with Julian Mazzariello, Fulvio Sigurtà and Alessandro Paternesi, these are three kaleidoscopic and brilliant albums in which the world “classic” riflects once again high value and it is not reminiscent of a restrictive position towards the new which is not absolutely the signature of the genovese musician, who lives in Rome. If we mention his records as a leader and co-leader, it’s evident that Pietropaoli stresses the refined quality of the duo in many projects with Adriano Viterbini from Bud Spencer Blues Explosion (“Futuro Primitivo”, 2013), together with Eleonora Bianchini (developed in two chapters “Dos” and “Dos In Sight”) but also along with the accordeonist Emanuele Rastelli (the suggestive and surprising “Duolosophy” of 2009). |
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L’intera discografia di Enzo Pietropaoli non potrebbe essere trattata o esaurita con un solo articolo retrospettivo, considerato il livello altissimo dei musicisti in gioco e, appunto, la fortissima connotazione di ricerca di nuovi stimoli presente in Enzo, capace di fare ricerca anche nella riproposizione di standard della canzone italiana, del rock internazionale come della tradizione folklorica. È per questo che, con nostro grande piacere, vi lasciamo all’intervista che Enzo ci ha concesso, nella quale prende in esame il corpus della sua opera solista, i ricordi, i primi anni e i debiti spirituali e musicali, le sue idee sullo stato attuale del jazz, il basso, il contrabbasso. All’insegna, anche qui con noi, di un percorso smerigliato, stimolante e lungi dal presentare la benché minima smagliatura ispirativa. |
The whole production of Pietropaoli can’t be illustrated or exhausted in a retrospective article considering the high level of musicians at stake and obviously the need of new impulses - which is really strong in Enzo who’s able to research also by proposing any standards of the italian ballads repertoire, of international rock landscape as well as of folkloric tradition. That’s why it gives us a great pleasure to leave you to the interview with him where you can read the evolutions of his own solo career, his memories, his beginnings not to mention his spiritual and music influences, his personal ideas about jazz, upright&electric bass. He goes back with us through a sanded path which is always exciting and inspiring. |
BMF: Enzo, vorrei iniziare la nostra intervista proprio dai tuoi esordi. Quando e perché basso e contrabbasso? EP: Ho esordito professionalmente suonando il contrabbasso nel 1975 dopo molte esperienze dilettantesche alla chitarra, alla batteria alle tastiere e al sassofono, se devo essere sincero ancora oggi non sono riuscito a spiegarmi perché proprio il contrabbasso… probabilmente l’ho scelto su una certa onda emotiva di quello specifico momento della mia vita a cui sono immediatamente seguite delle opportunità di lavoro che hanno fatalmente consolidato questa scelta; oggi dopo tanti anni comincio a credere che si sia trattato di un caso, diciamo che l’interrogativo è ancora aperto. BMF: Iniziamo con la tua attività da solista. Nel 1990 esordisci a tuo nome con il prezioso “Orange Park”, durante la tua permanenza nei Lingomania. Il lavoro è ancora oggi fresco intrigante, con echi del Miles Davis elettrico, in perfetto equilibrio tra una “fusion illuminata” e il jazz e con un bellissimo e sentito omaggio a Chet Baker. Come nacque il progetto? EP: Volevo propormi in veste di compositore, non tanto come bandleader, ero già piuttosto gratificato dalle mie collaborazioni dell’epoca, infatti quel lavoro non ha avuto un seguito concertistico rilevante, rappresenta più una testimonianza di una certa vena creativa di quegli anni in cui, oggi, riconosco la grande influenza della musica dei Weather Report. |
BMF: Enzo, I’d like to start our interview just from your beginnings. When and why did you choose to play the bass? Enzo Pietropaoli: I started my career by playing on double bass in 1975 after many amateur experiences on guitar, drums, keybords and saxophone, honestly even today I can’t explain the reason why I embraced double bass… probably I chose it on the emotional tides of a specific moment in my life when this decision was inevitably strenghtened by the job opportunities; currently after many years I’m starting to believe that it just happened, let’s say that the question is still open. BMF: Let’s talk about your solo career. In 1990 you led with a precious album called “Orange Park”, when you were a member of Lingomania. That record is still cool, intriguing and with echoes of the “elctric” Miles Davis, perfectly balanced between an “enlightened fusion” and the jazz in addiction to a beautiful and sincere tribute to Chet Baker. How was born the project? EP: I wanted to promote myself as a composer, not so much as a band leader, I was quite satisfied with my collaborations at that time, indeed that work didn’t develop into relevant concerts, it’s more a proof of my creative juices and today I’m aware of Weather Report’s influence of that period. |
BMF: E a proposito dei Lingomania, tanti anni dopo, che ricordo hai di quel periodo? Io rammento che all’epoca stavo iniziando con jazz e fusion e rimasi fulminato da “Grr… Expanders” (“Flags”, con il suo inquieto slappato, e “Amore a prima vista” mi hanno amorevolmente perseguitato per anni…) e dalla vostra esibizione a Doc. Eravate il miglior combo di jazz elettrico in circolazione in Italia… EP: Mentre mi parlavi di “Flags”, e del suo “inquieto slappato”, ho avuto un sussulto, e così la tua domanda mi ha fatto scoprire che sul CD il mio brano “First Take” è erroneamente intitolato Flags, anche un test con Shazam mi conferma la cosa. Devo dire che questo errore rende più umana la musica e rappresenta degnamente quel periodo che potremmo definire pionieristico, infatti inizialmente è uscito l’LP e in seguito il CD con relativo refuso nei titoli… Se pubblico e critica hanno deciso che eravamo il migliore combo di jazz elettrico in Italia questo è dovuto in parte al fatto che la concorrenza era praticamente nulla, ma anche alla presenza di giovani entusiasti che, sotto la guida di un più maturo Maurizio Giammarco, esprimevano qualcosa di significativo per quell’epoca, appunto un “jazz elettrico”, che a differenza della “fusion” più modaiola, aveva un più alto coefficiente di legame con la tradizione che tutti noi conoscevamo e avevamo praticato, e dunque una maggiore classicità, anche se espressa con i suoni degli anni ottanta. |
BMF: And about Lingomania, over these years, what do you remember of that period? Personally I recall that I was starting to listen to jazz and fusion and I was impressioned by “Grr…Expanders” (“Flags” with its restless slap and “Amore a prima vista”, I have been positively obsessing for many years…) and by your perfect performances. You were the best electric jazz combo around in Italy. EP: You have mentioned me “Flags” and its “restless slap” so I had a blast and your question made me discover that on the album my tune “First Take” is wrongly entitled “Flags”, even a test on Shazam has confirmed that, I must admit that this mistake makes music more human and surely represents worthily that period which we could define as pioneering, in fact firstly it came out the LP and then the CD with related typo in the titles… If public and critics decided that we were the best electric jazz combo in Italy, this was mainly due to the fact that there wasn’t a real competition, but most of all to the presence of young enthusiasts who, under the leadership of a more mature Maurizio Gianmarco, expressed something different, that is to say “electric jazz”, than unlike the more fashioned fusion, it was more linked to those traditional sounds that we were used to play, so it had to do with a greater classical spirit voiced in the mood of the eighties. |
BMF: Con il tuo secondo lavoro solista, “To”, del 1992, c’è un cambio di registro pressoché totale, perché è a tutti gli effetti un raffinatissimo jazz da camera impreziosito dagli interventi lirici di Enrico Rava. Un lavoro di grande originalità: sei rimasto soddisfatto di quell’esito? EP: Anche “To” è stato un momento di sfogo creativo, il frutto del mio amore e della mia curiosità per la musica classica o “di confine”, fui molto ispirato dal cd di Piazzolla con Kronos Quartet, ho voluto mettermi in gioco con qualcosa di non facile e non usuale rispetto alle mie esperienze precedenti. La registrazione avrebbe avuto bisogno di un po’ più di tempo per curare meglio i particolari, tuttavia sono contento di quel lavoro, mi piacerebbe riproporlo in concerto, tra l’altro quei quartetti sono stati recentemente pubblicati dalla Carisch in un bel volume con partiture sia cartacee che in formato pdf, ma oggi non potrei concepire di registrare un cd di quel genere; da allora il mio percorso musicale è andato in una direzione più semplice, quel tipo di semplicità che io considero il punto di arrivo, una semplicità ricercata sfrondando sempre di più il mio albero alla ricerca di pura sintesi estetica. |
BMF: In your second solo album “To” (1992) there’s an almost total change of register, as it’s for all intents and purposes a refined “da camera” jazz, which is enriched with Enrico Ravas insertions. It’s a really original work: were you sutisfied with that final outcome? EP: “To” has also been a phase of creative free rein, the result of my love and curiosity for classical or “boundary” music. I was really inspired by the CD of Piazzolla with Kronos Quartet, I wanted to confront something difficult as well as unusual compared to my previous experiences. The recording would have needed a little more time, so as to take care of each detailed aspect, anyway I am satisfied with that album, I’d like to propose it in a concert; besides, those quartets have been recently published by Carisch through a beautiful book of both printed and digital scores. But today I couldn’t conceive of recording that kind of CD, since then my musical path has taken a simpler direction, that type of semplicity that I consider as an end point; a semplicity that I’ve been researching through increasingly pruning my own tree, looking for a pure aesthetic synthesis. |
BMF: Quattro anni dopo esce, in collaborazione con Maria Pia De Vito, “Stolen Songs”, in cui reinterpretate – anticipando nettamente le tendenze che si sarebbero consacrate in seguito- canzoni pop e rock in chiave jazzata. Sei sempre stato a tuo agio nelle rivisitazioni di materiale rock e pop, penso anche al trio con Lanfranco Malaguti sui Beatles e naturalmente a tutta l’aurea attività con i Doctor 3, in questo senso. A cosa si deve questa tua propensione? EP: Molto semplicemente al fatto che io amo il rock e il pop, sono la musica delle mie origini e della mia gioventù. BMF: Con la denominazione di “Pietropaoli Modern Syncopators” nel 2000 esce “Urban Waltz”, altro lavoro trasversale che offre un’ulteriore dimostrazione di eclettismo, grazie all’interazione tra la sezione ritmica e Gabriele Mirabassi al clarinetto e Marcello Sirignano al violino. Come si sviluppò quell’idea di quartetto atipico? EP: Anche questa volta volevo lasciare una testimonianza di un lato della mia personalità compositiva, in questo caso decisamente acustica e con una idea di “pianoless quartet” che mi ha sempre stimolato per la libertà che nasce dalla assenza di uno strumento armonico. Il fatto è che, anche questa volta, una certa pigrizia e la soddisfazione che mi procuravano le altre prestigiose collaborazioni, hanno impedito di fare esplodere il mio “ego da bandleader”, così anche questo progetto, dopo poco tempo, si è serenamente spento. |
BMF: Four years after, it was released “Stolen Songs” in collaboration with Maria Pia De Vito, an album where you have reinterpreted pop and rock tunes in key jazz – in advance of the devoted trends which would have developed in the following years. You have always been comfortable with re-imagening of rock and pop material, I also think of the trio together with Lanfranco Malaguti about Beatles and naturally of all the gold age with Doctor 3, in this rispect. How do you explain this inclination of yours? EP: It depends on my adoration for rock and pop, this is the music of my origins and youth. BMF: Under the name of “Pietropaoli Modern Syncopators” was released the record called “Urban Waltz” in 2000, another transversal work that is a further evidence of your eclecticism thanks to the interaction between rythmic section and Gabriele Mirabassi on clarinet and Marcello Sirignano on violin. How did you developed that idea of atypical quartet? EP: Once again I wanted to give evidence of an aspect of my compositive personality, in this case definitely acoustic, and through a concept of “pianoless quartet” that has always inspired me because of the freedom due to the absence of an armonic instrument. The point is that, on this one, a certain laziness of mine and the satisfaction with the significant collaborations, made it impossible to blow up my “ego as a band leader” so this project also shut down quietly. |
BMF: Continuando con l’excursus sulla tua attività solista, nel 2008 è la volta del tuo volo solitario “Nota di basso”, contrabbasso solo con alcuni loop, ma a tutti gli effetti potremmo dire ‘un uomo e il suo contrabbasso”. Esperienza che poi hai ripetuto in seguito con “Solo” uscito su Fonè nel 2015. Non tutti i contrabbassisti vogliono correre il rischio del contesto solitario; del resto Barre Phillips e Barry Guy hanno sempre parlato di “rischio” a proposito di questa formula. Cosa ti stimola di più in questa formazione uomo+contrabbasso? Ti piacciono, genericamente, i lavori di contrabbasso solo? E se sì, quali ti hanno colpito maggiormente? EP: Questi due CD rappresentano, insieme all’esperienza di Yatra Quartet, i miei primi lavori accompagnati da una forte volontà di sviluppo futuro, una cosa nata per avere un seguito, l’inizio di un percorso, e infatti da allora continuo, quando mi si presenta l’occasione, a propormi in “contrabbasso solo” sia in versione acustica che con elettronica-live. Ho ascoltato tantissimi “contrabbasso solo” sia su cd che dal vivo, dai più classici ai più spericolati, e da tutti ho imparato molto, a volte capisci “cosa fare” a volte “cosa non fare”, è difficile citarne uno in particolare, devo dire che, con qualche eccezione, amo la maggior parte dei miei colleghi, ma se proprio devo fare dei nomi direi che da una parte Dave Holland, sotto il profilo strumentistico, e dall’altra Greg Cohen, sotto quello più carnale, hanno espresso delle cose molto interessanti in solo. BMF: Una curiosità: nel brano eponimo “Nota di basso”, un delizioso ‘petit morceau’ per contrabbasso e voce femminile, ci sono queste parole struggenti : “Mio padre mi ha insegnato come si ascolta il suono della musica. Basso, me l’ha insegnato stando zitto e io dovevo tendere l’orecchio per sentire il rumore della sua vita che a ritmo accompagnava quello della mia. Non posso scordarlo”. A chi è dedicato? EP: Si tratta della voce di mia figlia Martina che, già dalla tenera età, metteva su carta alcuni dei suoi pensieri, quello mi aveva colpito; le ho chiesto di leggermelo davanti a un microfono e poi ci ho costruito una musica, tutto qua. |
BMF: In 2008 it’s the turn of your solo flight “Nota di basso”, double bass solo with some loops, but we could define it in its own right as “a man with his own double bass”. It was an experience that you repeated on “Solo” released by Fonè in 2015. Not all the double pass players want to face the risk of solo context; in fact Barre Phillips and Barry Guy have always told about it in terms of “risk” as regards this dimension. What does inspire you in this context man+double bass? Do you like, in general, the double bass solo projects? What did you impressed most? EP: These two CDs represent together with the experience of Yatra Quartet, my first approach to a vision supported by a strong willingness of a forthcoming development, a thing that was born to be continued, it was the beginning of a path. Indeed, I continue to propose my self in solo project since then, both in an acoustic and electronic-live version. I’ve listened to many double bass solo projects both on CD and at live performances from the most classic ones to the most reckless and from each of them I’ve learned a lot. Sometimes you understand “what to do” and “what not to do”, that’s hard to mention one of them in particular, I must say that - with some exceptions - I love the majority of my collegues, but if I have to give you some names I’d say on the one hand Dave Holland from an instrumental point of view, on the other hand Greg Cohen, for an emotional approach. They both have expressed really interesting things as soloists. BMF: A curiosity, on the eponymous tune “Nota di basso”, a delighted “petit morceau” for double bass and female voice, there are these epic words: “My father teached me how you have to listen to the sound of the music. Bass, teached me by keeping quiet and I had to sharpen my ear so as to listen to the noise of his life that was accompaning mine to the beat. I can’t forget that.” Who is it for? EP: It’s the voice of my daughter Martina who, at a young age, was used to write down her thoughts, those mentioned above; it really impressed me so I asked her to read it in front of a microphone and then I created a tune, that’s all. |
BMF: E arriviamo alla fortunata trilogia di “Yatra”: tre album che hanno ottenuto un notevole successo di critica e pubblico. Anche qui, la tua cifra colpisce: da leader scegli tre talenti del “nuovo” jazz italiano e tra composizioni originali, rielaborazioni ad ampio spettro – da Mendelssohn ai Rolling Stones, passando per Bowie e Fiorenzo Carpi - e quella che definirei una “complessa semplicità”, sforni prodotti di alto livello che giocano con il “colto” senza accademismi e pesantezze. Questo equilibrio e questa vena così felice sono l’apice di un percorso? Ci saranno altri episodi di “Yatra” o è trilogia conclusa? EP: Innanzitutto grazie per avere colto e descritto perfettamente l’anima di Yatra Quartet che anche io considero, almeno per il momento, l’apice della mia storia musicale, “complessa semplicità” spiega perfettamente il mio obiettivo di esprimere naturalezza permeandola di una immensa profondità, lo considero il punto d’arrivo in questa mia fase adulta, si può chiamare anzianità o “terza giovinezza”, ma sono solo etichette. Per me Yatra Quartet è una esperienza di amore, non dovrebbe mai finire, la scelta di proporre un volume 4 è qualcosa che non riguarda solo me, sarà la conseguenza di una certa scelta a livello discografico che condividerò con Giandomenico Ciaramella di Jando Music, che insieme a noi quattro, ha contribuito all’esistenza di questa bellissima storia, tutto può succedere ma per il momento non c’è nulla di concreto in vista. BMF: Dopo “Futuro Primitivo” con Adriano Viterbini e i due intriganti lavori in duo con Eleonora Bianchini, quali altre direzioni pensi di intraprendere? Hai praticamente sperimentato ogni tipo di formazione e di contesto, ma sono certo che gli stimoli sono più vividi che mai… EP: Effettivamente gli stimoli e le idee sono tantissime, molte di più delle opportunità di lavoro di questo momento problematico, sia in generale che per l’arte. Una versione di Yatra Quartet dedicata alla musica di Chet Baker, un lavoro su Woodstock con Zanisi e Paternesi, un altro sulle Antifone Mariane con Mirabassi, Rabbia e dei cantori Gregoriani, una forte esigenza di suonare anche in trio con Julian Mazzariello, tanta voglia, e qualche opportunità, di scrivere per il cinema, mi fermo qui perché la lista è davvero troppo lunga. |
BMF: And we get to the lucky trilogy called “Yatra”: three albums which have been very successful and acclaimed by the critics and audience. Also in this case, your signature impresses: as a leader you choose among talents of the “new” italian jazz and among original compositions and wide-ranging revisions – from Mendelssohn to Rolling Stones, passing by Bowie and Fiorenzo Carpi – and you embrace what I would call an “elaborate semplicity”: you release albums of high level which play with “cultured” tradition without any formalism. Are this balance and your happy vein the culmination of a path? EP: Firstly I want to thank you for having caught and described perfectly the spirit of Yatra Quartet which I consider, at least for the moment, the climax of my music career. The concept “elaborate semplicity” explains my aim of voicing naturally through immense deepths, I see that as the end point of this maturation of mine, it could be defined as seniority or “third youth” but they are just tags. In my view, Yatra Quartet are an experience of love which should never end. The choice to propose the volume isn’t something to do with me, it will be the effect of a decision taken by the record label that I’m going to share with Giandomenico Ciaramella from Jando Music who, together four of us, has contributed to develop this beautiful story. Anything could happen, but at the moment there’s nothing concrete in the pipeline. BMF: After “Futuro Primitivo” together with Adriano Viterbini and those two fascinating duo albums with Eleonora Bianchini, what other directions do you think to take? You have practically experimented any kind of line up and musical context, but I’m sure that you have a lot of new inspirations… EP: I’ve actually a lot of suggestions and ideas, many more than the job opportunities of this troubled moment, in general and from an artistic point of view. I can mention the plan to make a version of the Yatra Quartet dedicated to Chet Baker music, a work on Woodstock together with Zanisi and Paternesi, another idea about Marian Antiphons together with Mirabassi, Rabbia and a project about some Gregorian Chant; I also strongly need to play in trio with Julian Mazzariello, I really want to, and I’d like to catch some opportunities to compose some movie music. I shall stop there because the list is too much long. |
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BMF: E a proposito di voci, partendo dal connubio artistico che dura da anni con Maria Pia De Vito e dai lavori in duo con Eleonora Bianchini, che cosa prediligi dell’aspetto comunicativo della vocalità: l’interpretazione, il timbro, la musicalità, quali sono gli elementi che reputi possano meglio dialogare e fondersi con il suono denso e legnoso del contrabbasso? EP: Oltre alla affascinante facilità di relazione tra due timbri così diversi, la ragione per cui amo la voce è molto semplice, io amo le canzoni, amo le grandi interpreti di ogni genere, da Maria Callas a Aretha Franklin a Joni Mitchell, non amo molto lo scat e in generale l’improvvisazione vocale, mi piacerebbe cantare ma detesto la mia voce ... BMF: Alla fine di quest’analisi delle tue opere soliste, una domanda da storico amante del vinile e dell’oggetto disco: esiste una possibilità che alcuni dei tuoi primi lavori vengano ristampati in qualche formato fisico? Ricordo che fino a pochi anni fa, da venditore di dischi in negozi import e jazz, mi chiedevano in continuazione di scovare copie dei tuoi primi album e dello Space Jazz Trio… EP: A causa della mia veneranda età tutti i miei primi lavori sono nati esclusivamente in vinile, la possibilità che vengano ristampati purtroppo non dipende da me ma dalle etichette che pubblicarono quei lavori, purtroppo alcune non esistono più… Invece per quanto riguarda l’attualità è mia intenzione che ogni mio lavoro veda la luce anche in vinile, del resto questo supporto sta già rifiorendo a prescindere dalla mia volontà… la cosa è già successa sia per Yatra che per tutte le mie ultime registrazioni, l’importante è che il vinile sia di alta qualità tecnica e non sia stampato in modalità “economica” solo per una questione di moda, nel caso di Fonè, l’etichetta che ha ristampato i vinili di Yatra, la massima qualità è garantita. |
BMF: And speaking about voices, starting from your artistic collaboration which has been going on for years with Maria Pia De Vito as well as your duo projects with Eleonora Bianchini, what are the main qualities of the vocal expression, in your opinion: impersonation, timbre, musicality… What are the aspects of the vocal skill that could communicate and merge with the woody and dense sound of double bass? EP: In addition to the easy relation between the different timbre of these two instruments, the reason why I adore the vocal expression is really simple: I love the lyrics, I love the great singers of any kind of music, from Maria Callas to Aretha Franklin and Joni Mitchell, I don’t like scat so much and generally vocal improvisations, I’d like to sing but I hate my voice… BMF: At the end of this analysis of your solo albums, I’d like to ask you something about vinyl and CD format, as I am an appreciator of both media: is there a possibility that any of your works could be reissued? I remember that until a few years ago, as a record seller in import and jazz stores, customers often asked me to find copies of your first album as well as of the Space Jazz Trio… EP: Because of my ripe old age all of my early albums have been issued in vinyl, it doesn’t depend on me but it’s a responsibility of those labels that released those records, and unfortunately many of them no longer exist… But as regards the present I’m going to release each of my projects also in vinyl, a format that is already spreading … The same applies both to Yatra and to my latest recordings, what matters is that vinyl is of high technical quality, and not a cheap reissue just to follow the trends. In the case of Fonè that have reissued in vinyl format all of Yatra’s albums, the highest quality is always guaranteed. |
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BMF: Qual è, secondo te, l’attuale stato di salute del jazz italiano? E ancora, ti chiedo: tu sei stato un precursore–come accennavamo precedentemente- delle rivisitazioni in chiave jazz (però sempre con autorevolezza, mai cedendo alla lounge), cosa pensi di questa diatriba tra chi accusa alcuni jazzisti italiani –non tu, of course - di preferire la reinterpretazione di canzoni pop e rock piuttosto che misurarsi con standard jazz? È in corso una battaglia tra “purezza” e “contaminazione”? EP: Il jazz italiano gode di ottima salute e continua la sua crescita qualitativa che lo conferma tra i più interessanti nel mondo, c’è però un problema molto serio, alla crescita qualitativa e quantitativa di musicisti e proposte non hanno fatto seguito né un aumento delle opportunità di lavoro e neanche un aumento del bacino di fruizione, si investe tantissimo sulla creazione di nuovi musicisti, le scuole di musica fioriscono, il jazz è entrato nei conservatori, ma nessuno si preoccupa di formare il pubblico del futuro, di creare nuovi appassionati a questa musica, di suscitare curiosità nelle generazioni più giovani, e così da qualche tempo noto che l’età media del pubblico è sempre più alta e non si vede un ricambio generazionale, ma è ancora presto per trarre delle conclusioni, potrebbe essere solo una fase transitoria o un segnale preoccupante, vedremo. Alla tua seconda domanda rispondo che non è importante suonare Gershwin o i Nirvana, si tratta di maturare un proprio senso estetico che ti consenta di essere te stesso a prescindere dal repertorio che, nel jazz, spesso è solo un pretesto per esprimersi, credo che l’importante sia “essere” e non “fare” e questo vale anche per l’assolo più lungo che tutti noi facciamo, musicisti e non, quello del vivere la propria vita. |
BMF: What’s the current state of italian jazz in your view? And moreover, you have been a pioneer – as we mentioned above – of the reimagining in key jazz (but always with authorithy and never falling to lounge). What do you think about the dispute led by who accuse some italian jazz musicians – not you, of course – to prefer the interpretation of pop and rock songs rather than confront jazz standards? Is in the process a sort of battle between “purity” and “hybridisation”? EP: Italian jazz is in excellent condition and it continues its qualitative growth which confirms its great appeal. Anyway there’s a very serious problem: this qualitative and quantitative growth as regards the number of musicians haven’t yet meant an increase of the job opportunities and neither of the audience, there are generous investment in new musicians, in building new school, jazz has even been intruduced into academies, but anyone is interested in preparing the audience of tomorrow, in creating new enthusiasts of this kind of music, in inspiring curiosity in young generations, so I’ve noticed for some time that the average age of the public is much older and there isn’t any generational turn over. But it’s too soon to draw any conclusion, it could be just a transitional phase or a warning signal, we’ll see it. I answer your second question that it’s not important playing Gershwin or Nirvana, it’s all about the maturation of your inner aesthetic sense that allows you to be authentic regardless of the kind of repertoire that in jazz is only a pretext to express yourself. I think that the important thing is to “be” and not “to do” and the same applies to the longest solo that each of us can make – musicians and not – that is our life. |
BMF: Tu sei uno dei rari esempi di perfetta commistione tra contrabbasso e basso elettrico; il tuo profilo è sempre stato in armonioso equilibrio tra i due strumenti. In fondo, l’efficacia su entrambi non è davvero di tutti: penso a Bob Cranshaw, Stanley Clarke, John Patitucci, Tom Kennedy. Molti, poi, scelgono di preferire uno dei due, vuoi per scelta timbrica, stilistica o semplicemente di gusto. Quale secondo te il segreto per l’eccellenza su entrambi? EP: Ti ringrazio ma onestamente non mi sento mai perfettamente a mio agio nella alternanza tra i due strumenti, in realtà neanche con i due strumenti individualmente … c’è sempre qualcosa da imparare e spesso quel qualcosa che continuo a cercare non è un “di più” ma un “di meno” , anche qui l’obiettivo deve essere quello di sentirsi in sintonia con le proprie capacità, evitando, per quanto possibile, clichè e modelli, accettando con amore i propri limiti per farli diventare un motivo di riconoscibilità, coltivando quel qualcosa di unico che ogni persona ha dentro, quella piccola differenza che, se espressa con sincerità e buona fede , ci rende unici anche nell’errore. BMF: Voglio chiederti delle tue influenze, tanto sull’elettrico che sull’acustico. E anche se vedi all’orizzonte ulteriori e nuove “emancipazioni”. Una scuola di pensiero piuttosto nichilista vuole il basso elettrico fermo a una sorta di perenne “post-Jaco” e il contrabbasso odierno comunque in riscoperta delle scuole LaFaro, Chambers, Mingus… che ne pensi? EP: Penso che oggi rispetto al passato i cambiamenti stilistici e di linguaggio, in tutti gli strumenti, sono sempre meno “scioccanti”, e mi sento di potere allargare questo concetto all'intera storia della musica, quei passaggi epocali come quello da Bach a Mozart, o da Louis Armstrong a Ornette Coleman o da Elvis Presley a Jimi Hendrix oggi sarebbero impensabili, anche perché il materiale ancora da esplorare è praticamente esaurito a livello armonico, melodico e ritmico. Tuttavia la musica e il linguaggio vanno sempre avanti attraverso dei micro cambiamenti, che sempre più spesso sono il frutto di commistioni tra generi e culture diverse, questo anche in conseguenza della globalizzazione e della rete, con tutti i pro e i contro di questa realtà. Dopo Pastorius non ci sono stati particolari stravolgimenti nel basso elettrico, personalmente considero il bassismo di Steve Swallow un passaggio importante ed originale ma non ha avuto la stessa fama di Jaco. Per quanto riguarda il contrabbasso sento che i “caposcuola” di molti decenni fa sono ancora estremamente attuali, e tanti grandi musicisti negli ultimi anni, e questa volta tutti insieme, stanno portando avanti l’estetica del contrabbasso che sempre più si può considerare uno strumento solista a tutti gli effetti. |
BMF: you are one of the rarest exemple of the perfect union between double bass and electric bass; your profile has always been an harmonious balance between two instruments. Basically, the skill proved on both of them is not so common: I think of Bob Cranshaw, Stanley Clarke, John Patitucci, Tom Kennedy. Many musicians soon are used to choose one of them, sometimes for the timbre of the instrument or a stylistic preference or simply for an individual taste. What’s the secret to excel on both of them? EP: I want to thank you for your words but honestly I never feel perfectly comfortable with the alternation between the instruments, in truth, neither with each of them taken individually…. There’s always something to learn and the thing I keep searching is not a “plus” but rather a “minus”; even there, we should aspire to be more in touch with ourselves, by overstepping the clichè and the patterns, and by accepting with love our limits so as to make them a distinguishing feature, through the development of our peculiar personality, that little difference which makes us unique even when we fail, only if it is expressed sincerely and in good faith. BMF: I’d like to ask you about your inspirations both on electric and double bass and I would also know if you see into the distance further and new forms of “emancipations”. A pretty nihilistic school of thought wants electic bass frozen in a sort of permanent “post-Jaco” and the double bass always engaged in rediscovering LaFaro, Chambers, Mingus… What’s your opinion about that? EP: I think that today - more than in the past - the changes of the languages and styles related to all the instruments are becoming less and less “shocking” and I can extend this concept to the whole history of music that is to say all those momentous shifts as that one from Bach to Mozart or from Louis Armstrong to Ornette Coleman and from Elvis Presley to Jimi Hendrix. Today these changes would be unthinkable partly bacause the material left to explore is practically finished as regards the harmony, melody and rhythm. Anyway the music and the language always go on through micro-changes which are even more frequently the result of the hybridisation between genres and such different cultures, this is also a consequence of the globalization and the internet with all the strengths and weaknesses of this new reality. After Pastorius there weren’t such revolutionary changes for electric bass, personally I consider Steve Swallow’s sound an important and original shift but he didn’t have the same reputation as Jaco gained. As regards the double bass I think that the leaders of many decades ago are still extremely modern and many great musicians over recent years are developing altogether the aesthetic of double bass which is increasingly being recognised as a solo instrument. |
BMF: Restando in quest’ambito, considerato quanto sei attento ai nuovi talenti e alle nuove generazioni di musicisti, quali bassisti odierni e giovani ti convincono di più, in Italia e fuori dai nostri confini? EP: A questa domanda rispondo sempre allo stesso modo: avendo un grande stima della stragrande maggioranza dei miei colleghi non mi voglio avventurare in una scelta di un nome piuttosto che un altro, in Italia come all’estero ci sono tantissimi bravi bassisti e il loro numero sta crescendo insieme alla loro qualità, in generale sono sempre più colpito e attratto da quelli che mi suscitano emozioni profonde piuttosto che da quelli che danno sfoggio di un virtuosismo fine a se stesso eccedendo nei clichè. BMF: Da poco abbiamo perso Gianmaria Testa, con il quale hai collaborato in due splendidi album. Che ricordo hai di lui e della vostra collaborazione? EP: Un periodo durato circa dieci anni di comunanza artistica e umana che non potrò mai dimenticare. BMF: E a proposito di ricordi, non possiamo dimenticare che hai suonato con il gotha del jazz, praticamente sin da subito. La lista potrebbe prendere giorni, ma non posso esimermi dal chiederti in particolare qualche ricordo di due figure focali del jazz come Chet Baker e Massimo Urbani. Che rapporto hai avuto con loro? EP: Erano anni formativi per me, la fine degli anni settanta e gli anni ottanta, due figure importanti, con Massimo il rapporto era più paritario, lui era di poco più giovane di me, era già una “star”, ma alla fine era pur sempre un simpatico ragazzo romano con cui ridere e scherzare; nell’incontro con Chet c’era più deferenza, era come vivere in un sogno, io stavo suonando con un personaggio che aveva fatto la storia del jazz, e come se non bastasse era anche uno dei miei miti musicali. Tutto è stato magico e intenso, ho imparato tanto, poi quando i rapporti hanno cominciato a essere troppo condizionati da questioni legate all’eroina ho sentito che il clima non era più così autentico, o forse ero io ad averlo troppo idealizzato precedentemente. Ricordo che nel periodo in cui ero in tour con Bob Berg che cercava di disintossicarsi, lui mi disse che aveva cominciato a farsi perché si trovava in un contesto in cui tutti i musicisti con cui suonava facevano uso di eroina e non farlo lo faceva sentire come un pesce fuor d’acqua, come fuori luogo, quasi emarginato, a un certo punto ho vissuto la stessa sensazione, le occasioni per “sperimentare” erano all’ordine del giorno, e così, per non so quale istinto di conservazione, i legami con Chet si sono un po’ allentati, sia musicalmente che umanamente, ma mi rimangono un patrimonio di ricordi e di insegnamenti indelebili. |
BMF: Considering how much you are interested in new talented musicians as well as in the new generation that they embody, who are the contemporary and young bassists whom you like most, here in Italy or abroad? EP: I’m used to answer that kind of question this way: as I estimate the great part of my fellows I don’t want to mention any name. In Italy and abroad there are a lot of good bassists and their number is growing together with their skills, generally I am more and more impressed and attracted from who emotionally involve me rather than from those musicians who show off their self-referential virtuosism through exceeding the clichè. BMF: Recently we have lost Gianmaria Testa with whom you have collaborated on two amazing albums. What do you remember about him? EP: It was a period lasted about ten years which were enriched by an artistic and human sympathy that I will never forget. BMF: And speaking of memories, we cannot help but mention your collaboration with the who’s who of jazz context, practically from the beginning. The list could take too many days but I have to ask you in particular something about two important jazz personalities like Chet Baker and Massimo Urbani. What kind of relationship did you form with them? EP: It was a training period for me, the end of the 1970th and 1980th. They were both really essential figures: my relationship with Massimo was more equal, he was a few years younger than me but he was already a star. Anyway he was a kind roman guy, somebody you laughed with. As regards my encounter with Chet there was more reverence, it was like living a beautiful dream I was playing with a musician who made history of jazz and on the top of that, he was also one of my musical hero. It was a magic and intense experience, I learned a lot and then when the relations became more complicated because of some issues related to heroin, I felt that the atmosphere was no longer authentic, or maybe I simply made the mistake of idealizing him too much, previously. I remember that when I was in tour with Bob Berg who was trying to get clean, he told me that he started to get into drugs because he was surrounded by musicians who used heroin, and if he didn’t so it would mean feeling himself like a fish out of water, an outsider, so at a certain point I felt the same way, the opportunities to “experiment” were a daily occurrence. That is how, for some self-preservation, the relations with Chet became discontinued both musically and humanly but a heritage of memories and an indelible teaching still remain. |