PROJECTS AND COLLABORATIONS
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«Il basso ha un ruolo di “retroguardia” ma è un punto di riferimento fondamentale per tutti, come il playmaker di una squadra di basket»
Contrabbasso solo, per l'evento
"Two Bass Hit", ed. 2012 |
Quando capita che il talento si esprima con la curiosità e la voglia di chi non smette mai di intraprendere nuove strade di comunicazione e di creatività, si può dire di essere testimoni di un piccolo grande miracolo. Perché quando ci si imbatte in un artista di lungo percorso come l’orgoglioso friulano (bisiaco doc) Giovanni Maier, viene automatico chiedersi da dove nasca un così fervido eclettismo ed un amore così onesto e sincero per la musica. Poi guardando anche al contesto della sua formazione, la pianura dell’Isonzo, terra di confine con la Slovenia, nella provincia di Gorizia - vale a dire un background ricco di fermento e di nuove commistioni con cui il musicista rivendica un legame profondo ed indissolubile - ecco stagliarsi davanti lo spazio ideale in cui l’esplorazione delle possibilità del suono trova un senso compiuto ma al contempo in continuo divenire.
La folgorazione per il basso ed il contrabbasso e le esibizioni in solo di entrambi gli strumenti attraverso lavori vibranti e legnosi, di grande densità e sensibilità per i dettagli come "Polaroid", “Exposure”, “Audiosmog”, “Domino 02”, “The face of the bass” ed i più recenti “Me, Myself & Monk”, “The Talking Bass”, “Pages” e “Live at Brda Contemporary”, rappresentano solo l’inizio ed il prosieguo instancabile di una attività artistica votata alla sperimentazione come alla ricerca di connubi espressivi sempre più trasversali e connotabili solo per comodità con la generica definizione di jazz d’avanguardia.
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When it happens that the talent expresses itself with such a great curiosity and will, the kind owned by those who keep treading new paths to communicate and create, you might say to be in fact eye witness of an incredible miracle. Bacause when you have the opportunity to encounter a very experienced artist like the proud friulian (and genuine bisiaco) Giovanni Maier, a question automatically arises: what’s the origin of such a fervent eclecticism as well as of this honest and sincere love for music? Then, by looking at the context where he grew up, the Isonzo plain, a borderland to Slovenia, in the Province of Gorizia – that is to say a rich musical background with so many amalgams which are at the root of the deep and indissoluble tie between the musician and these places – there is the ideal space where the exploration of the possibilities of sound find a full sense but at the same time it keeps constantly taking shape.
The passion for bass and double bass, as well as the solo performances of both instruments through vibrant and woody works with a great density and attention to details like "Polaroid", “Exposure”, “Audiosmog”, “Domino 02”, “The face of the bass” and the most recent “Me, Myself & Monk”, “The Talking Bass”, “Pages” and “Live at Brda Contemporary”, represent only the beginning and the tireless course of an artistic activity devoted to the experimentation and to the research of more and more transversal expressive unions which can be defined as avant-garde jazz just for convenience. DOUBLE BASS SOLO ALBUMS
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Una produzione che iniziata nel 1994 sul versante solistico e nel 1987 con il Transition Jazz Group non ha mai smesso di andare oltre e di sfidare i limiti del tempo e dello spazio incidendo e suonando al fianco di artisti di fama internazionale come Enrico Rava grazie alla militanza negli Electric Five, Cecil Taylor, Massimo Urbani, Anthony Braxton, Roswell Rudd, Benny Golson (per citarne solo alcuni) o esprimendosi in formazioni di più largo raggio come la jazz big band Italian Instabile Orchestra, lo storico gruppo piemontese Enten Eller con performance orchestrali dal notevole impatto emotivo ed in qualità di compositore e leader, la Mosaic Orchestra, collocandosi con il CD “Mosaic Orchestra vol. 1” tra i dieci migliori dischi del 2001 per la rivista “Musica Jazz”.
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This is a kind of production that, once started in 1994 as regards solo albums and in 1987 together with Transition Jazz Group, never stopped given that Maier has been able to go further and beyond the limits of time and space by recording and playing together with international artists like Enrico Rava, thanks to his militancy in Electric Five, with Cecil Taylor, Massimo Urbani, Anthony Braxton, Roswell Rudd, Benny Golson (to name but a few) or by expressing himself within larger line up like the jazz big band Italian Instabile Orchestra, and as composer and leader, the Mosaic Orchestra, whose album “Mosaic Orchestra vol. 1” stood among the ten best-list records of 2001 according to “Musica Jazz” magazine.
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Non è un caso se la produzione artistica di un bassista come Giovanni Maier annoveri pubblicazioni per etichette fondamentali come la tedesca ECM donando alle stampe il doppio CD “Raccolto”, un viaggio poetico nell’astratto delle improvvisazioni free, registrato nel 2004 con il trio “TRIOSONIC”, insieme a Stefano Battaglia al pianoforte e Michele Rabbia alle percussioni.
La trasversalità dell’artista e l’inarrestabilità dell’uomo hanno da subito spinto Giovanni dapprima a prendere parte nel 1995 alla colonna sonora composta da Tiziano Tononi del cortometraggio ‘Ketchup’ vincitore del Primo Premio al festival di Venezia, e ancora a scrivere nel 2003 le musiche per lo spettacolo teatrale ‘Lo sciamano mite’ di Ferruccio Merisi, dedicato al pittore ed incisore sloveno Anton Zoran Music; come a voler ribadire un percorso privo di tappe fisse e mai “univoco” nel suo genere. |
It is not by chance that the work of a bassist like Giovanni Maier mentions some issues of fundamental labels like the german ECM, by printing the double CD “Raccolto”, a lyric journey into the abstract of free improvisation, that he recorded in 2004 together with the Trio called “Triosonic”, composed of Stefano Battaglia on piano and Michele Rabbia on drums.
The cross-disciplinary nature of the artist and the unstoppability of the man urged Giovanni firstly to take part in the soundtrack composed in 1995 by Tiziano Tononi for the short film “Ketchup”, winner of the first prize at festival in Venice, and then to write the music for the theatrical spectacle called “Lo Sciamano Mite” in 2003, created by Ferruccio Merisi, a show dedicated to the memory of slovenian painter and engraver Anton Zoran Music; as if to underline an unexpected path which revealed to be never unequivocal in its field. |
Un istinto proiettato alla volta di sfide sempre nuove, tutte raccolte e fatte confluire nell’ ambizioso per quanto ammirevole progetto discografico Palomar Records, l’etichetta indipendente da lui fondata e curata nella produzione, stampa, editing e grafica e che dal 2001 ad oggi ha all’attivo ben 42 titoli.
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We can recognise it as a natural instinct focused on ever-new challenges, which have been collected and brought together in the ambitious as well as remarkable project Palomar Records, the indie label founded and managed by Giovanni in all the possible roles, from the production and the editing to the graphic aspect. The label has a catalogue of 42 titles at the moment.
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PALOMAR RECORDS (SELECTED DISCOGRAPHY)
PER UNA ANTEPRIMA DI ALCUNE TRACCE DEGLI ALBUM
CLICCATE QUI
In un range di innumerevoli collaborazioni, Maier riesce a spaziare dalla dimensione del duo (basti citare l’intenso e riuscito connubio in “Dark Melodies” con il violinista Emanuele Parrini, in un alternarsi di conversazioni tese ma ben calibrate nella frequenza rarefatta delle corde o ancora il cameristico “Pagina Bianca” in cui l’archetto del contrabbasso di Maier si fonde in alterati equilibri con la batteria percussiva del vicentino Franco Dal Monego, in una improvvisazione fatta di svisate e variazioni che evitano di sporcare un sound fondato sulle tessiture del ritmo) fino ad estendersi alla complessità strutturale di esperimenti sonori e di raffinate piattaforme creative. Ne sono un esempio il trio The Homesweepers e l’album “Overgrown Babeling”, con Paolo Pascolo al flauto traverso e Giorgio Pacorig al piano, senza dimenticare l’esperimento di ibridazione sonora pubblicato per la Rudi Records “Zarja-Tay”, disco dagli echi turchi e centroasiatici ben rappresentati dal trasformismo della voce di Saadet Turkoz come dal tocco incisivo alle percussioni dello sloveno Zlatko Kaucic e la gamma fluida del timbro del contrabbasso di Maier. |
Over a spectrum of infinite collaborations, Maier is able to range from the duo dimension (I need only mention the intense and successful union in the album “Dark Melodies” together with the violinist Emanuele Parrini, through an intertwining of tight conversations but properly balanced as well with the thin frequency of the strings, and never mind the music-chamber approach of “Pagina Bianca” where the bow of Maier’s double bass blends into the altered balances with the percussive drums played by Franco Dal Monego, within an improvisation which has been built on variations that shall refrain from spoiling a sound based on the textures of the rhythm) and extending to the structural complexity of some experiments on sound as well as of some refined creative shelves. Examples are the Homesweepers Trio and the album called “Overgrown Babeling” with Paolo Pascolo on transverse flute and Giorgio Pacorig on piano; and not forgetting the experiment of sound hybridisation “Zarja – Tay”, characterised by some echoes which start from the Italian northeast and they follow a long line through the Slovenian to reach the shores of the Bosphorus. An oriental affinity well represented by the transforming voice of Saadet Turkoz, as well as by the firm touch of the slovenian Zlatko Kaucic on drums, and the fluid scale of Maier’s timbre on double bass.
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La Dob Orchestra è un collettivo di ricerca sulla musica improvvisata formatosi nel 2007. Ha all'attivo la pubblicazione del cd Tageskarte per Palomar Records e sperimenta forme di composizione istantanea e di ri-distribuzione della responsabilità compositiva e di conduzione
Una esigenza, questa, di ricerca del sound che guida il musicista isontino attraverso narrazioni dal taglio introspettivo fatto di evocazioni sottili, attingendo dal proprio bagaglio emotivo nel rapporto personale con lo strumento come si avverte in uno dei suoi album solisti Me, Myself & Monk. Per poi riprendere a rivisitare in chiave contemporanea le ambientazioni sonore tipiche del jazz afroamericano degli anni ‘70 in The Talking Bass con Luca Calabrese alla tromba, Scott Amendola alla batteria e di nuovo Emanuele Parrini al violino e alla viola. Un disco che riesce ad alternare associazioni strumentali (tromba e violino) di chiara matrice colemaniana come nel brano Disk Dosk, a possenti ritagli solistici espressi in un dialogo tra pizzicati percussivi ed arcate ampie e profonde. Proprio quando le potenzialità di una cavata di basso potrebbero rischiare di esaurirsi ad un rinnovato ascolto, Giovanni Maier è lì pronto a ribaltare le aspettative come riesce abilmente nell’altro suo lavoro solista “Pages”. Un doppio cd che riflette non solo la gratitudine del musicista nei confronti di artisti immensi come il già citato Ornette Coleman ed il genio nella tessitura del sound Bill Dixon ma che lascia percepire le linee di basso in un flusso continuo di spazio e silenzi proprio come farebbero gli irregolari tratti di inchiostro sulle pagine vuote di un diario.
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The friulan musician seems to be driven by his need for music and sound research which leads him to an introspective narrative enriched by subtle evocations. He constantly draws from his personal background to express his close relationship with the instrument, as is evident in one of his solo album called “Me, Myself & Monk”. And then he resumes revisiting in a contemporanean sense those afro-american music settings of the ‘70s in another solo record under his name, “The Talking Bass”, together with Luca Calabrese on trumpet, Scott Amendola on drums and again Emanuele Parrisi on violin and viola. This is a work that is able to alternate instrumental combinations (trumpet and violin) inspired by the ones of Coleman as in the track Disk Dosk, to the powerful solos that he plays in a dialogue between pizzicato and bow. When you figure that the possibilities of touch will run low, Giovanni Maier is ready to prove the contrary as he’s able to show in his following solo work “Pages”. This is a double CD that reflects not only his gratitude as a musician for great artists like the aforementioned Ornette Coleman together with a genius in the building of the sound texture Bill Dixon but it also makes you feel the line bass in a continous flow of space and silence as the fluid ink strokes would do on the blank pages of a diary.
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È davvero difficile riuscire a condensare in poche battute un cammino che è espressione di un’evoluzione interiore ancor prima che artistica, e che ha costruito – tassello dopo tassello – il profilo umano di un musicista e compositore poliedrico. Un universo complesso e non imbrigliabile che abbiamo cercato di indagare in questa intervista.
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It’s really hard to try to combine in a few words a path that is the expression of some personal growth even more than artistic development and that has built – brick by brick – the human profile of a multi-faceted musician and composer. This is a complex universe also impossible to harness that we tried to deepen in this interview.
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LDP: Giovanni, partirei con una domanda su un argomento che troppi danno per scontato: e cioè l’avere un proprio linguaggio tanto sul contrabbasso che sul basso elettrico. La storia del jazz – e non solo – insegna che non sempre un contrabbassista creativo riesce a sentirsi a proprio agio con lo strumento elettrico, e viceversa. Tu ci sei riuscito. Qual è il tuo punto di vista sulla questione?
Giovanni Maier: La creatività parte dal musicista e non dallo strumento. L’importante è conoscere bene lo strumento e avere confidenza con esso, in modo da avere la possibilità di spaziare in diversi ambiti espressivi. LDP: Da sempre ti muovi in più territori, molto nella libera improvvisazione, nella contemporanea, nel jazz. Come hai iniziato, perché hai scelto “i bassi” e quali sono state le tue principali influenze sui due strumenti? GM: Ho iniziato a suonare il basso elettrico molto giovane (all’età di dodici anni) dopo avere provato con la fisarmonica ed il clarinetto, che però non avevano scatenato grandi emozioni. Il basso invece, complice il fatto che lo suonavo in un gruppo di ragazzini della mia età, mi ha subito fatto capire che era il tipo di strumento adatto per il mio carattere, che è un po’ schivo: ha un ruolo di “retroguardia” ma è un punto di riferimento fondamentale per tutti, come il playmaker di una squadra di basket. |
LDP: Giovanni, I would start with a question about an issue that too many people give for granted, in other words the mastery of a personal language on both electric and acoustic upright bass. The history of jazz – and not just it – has shown that a creative double bassist is not always able to feel comfortable with an electric instrument and vice versa. You succeeded. What’s your opinion about that?
Giovanni Maier: The creativity starts from the musician not from the instrument. The most important thing is to know the latter very well and get the feel of it so as to have the opportunity to branch off in more different expressive contexts. LDP: You always used to explore various avenues, by experiencing a lot in improvisation, contemporary music and jazz. How did you start and why did you choose bass and finally which were your main influences as regards both instruments? GM: I started to play electric bass since I was really young (twelve years old) after approaching the study of accordion and clarinet which anyway didn’t impress me so much. Bass, on the contrary, as I was used to play with a group of kids with my own age, soon made me realize that it was the kind of instrument which suited me more because of my shy attitude: it plays a back-line role, anyway it is a cornerstone for each component of the group, like a playmaker of a basket team. |
LDP: Hai creato anche un’etichetta molto meritevole d’attenzione, la Palomar, che considero una vera e propria label di ricerca sonora a 360° gradi. Mi racconti come è nata la Palomar e quali sono i suoi obiettivi? GM: La mia etichetta è nata quasi per scherzo, per poter pubblicare la registrazione di alcune mie composizioni per pianoforte a quattro mani, che altrimenti non avrei saputo a chi proporre, visto che non sono un compositore di musica “colta”… Successivamente ha acquisito sempre più importanza nella documentazione della mia attività artistica, anche perché sono spariti quasi tutti i negozi di dischi e quindi la mancanza di una distribuzione effettiva ha avuto un peso sempre minore rispetto alla scelta di label ufficiali. E’ molto importante poter documentare le mie produzioni in tempo reale (o quasi) e la Palomar mi permette di scegliere i tempi con assoluta libertà e tempestività. LDP: Non hai mai avuto remore a cimentarti in solo, il vero “solo di basso”. Quando iniziò Barre Phillips sembrava un azzardo pazzesco. Che traiettoria ha seguito secondo te il contrabbasso come strumento solista, proprio da “Basse Barre” (o “Journal Violone”) in poi? GM: Considero l’album che hai citato molto attuale ancora oggi; Barre Phillips è sicuramente uno dei miei punti di riferimento per le performance in solo, assieme a Mark Dresser, Stefano Scodanibbio, Barry Guy e molti altri. In generale, tutte le ricerche compiute da questi grandi musicisti per espandere le possibilità espressive dello strumento hanno fatto proliferare gli album e le esibizioni in solo perché è possibile “parlare” con molte lingue, muovendosi in una grande varietà di situazioni musicali. Non sono molto interessato invece all’approccio virtuosistico di alcuni colleghi: secondo me quando si è soli ci si può permettere il lusso di parlare poco……. LDP: Passando al basso elettrico – sei la persona ideale alla quale chiederlo - gli anni ottanta (che qualcuno adora) non sono stati poi forieri di molto altro rispetto alla fusion, un po’ troppa. Come se da una parte lo strumento evolvesse e dall’altra finisse nelle maglie del virtuosismo o della famosa “pastorizzazione”. Oggi, e in assoluto, il basso elettrico può essere uno strumento d’avanguardia? E se sì, mi spieghi perché? GM: Qualsiasi strumento può essere d’avanguardia, per le ragioni che ho esposto qui sopra. Pastorius è stato un grande inventore e ha usato le sue “scoperte” per parlarci di lui, con grande musicalità, con più voglia di comunicare che di stupire. Tutti gli imitatori che sono arrivati dopo hanno colto, nella maggior parte dei casi, solo gli aspetti superficiali della sua ricerca, come succede per tutti i geni. Credo che il basso elettrico abbia ancora molte possibilità inespresse nel campo dell’avanguardia. |
LDP: You also founded a very remarkable label, called Palomar, that I consider a record company totally based on sound research. Would you like to tell us how be you move forward Palomar and what are its main targets?
GM: My label was created almost as a joke, in order to publish the record of some piano four-handed compositions that I wouldn’t otherwise be able to propose, given that I’m not a composer of “erudite” music…. Later it has become increasingly important in the documentation of my artistic activity also because a lot of record stores have been disappearing so the absense of a proper distribution had a lesser and lesser impact on the business compared with the choice of other official labels. It’s really important the possibility to show proof of my production in real-time (or nearly) and Palomar allows me to choose the timeframe with absolute freedom. LDP: You have never been shy about playing solos, the real “bass solos”. When Barre Philips started to do that, it seemed to be a reckless gamble. What kind of direction did the double bass follow as a solo instrument, from “Basse Barre” (or “Journal Violone”) onward? GM: I consider all the album mentioned above very current, even today; Barre Phillips is surely one of my role model as regards solo performance together with Mark Dresser, Stefano Scodanibbio, Barry Guy and many others. Broadly speaking, all the experiments on sound performed by these great musicians in order to extend all the expressive qualities of the instrument, have enhanced to spread solo albums and performance because it’s possible to “communicate” in many languages moving within a remarkable range of musical contexts. Anyway I’m not really interested in the approach based on technical virtuosity of some collegues: in my opinion when you’re playing as a solo you can afford the luxury of speaking little… LDP: Switching to electric bass - you are the perfect person to go to ask this - the 80's were able to launch nothing else but fusion (a little too much). It’s like, one hand the instrument developed and on the other hand it fell in the mesh of technical virtuosity, in other words of the well-known “pasteurisation”. Today and, at all, could electric bass be considered an avant-garde instrument? If it’s so, would you explain why? GM: Whatever instrument can be avant-garde, for the reason I’ve already explained above. Pastorius was a great inventor and he used his own creations to speak about himself with a fantastic musicality, he wanted most of all communicate rather than impress. All the imitators who arrived later (in most cases) caught only the surface appearance of his own research, as it often happens for all the genius artists. I think that electric bass should still express itself in the avant-guarde. |
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LDP: Ricordando un “gioco” che faceva la rivista francese Jazz Hot negli anni settanta, ti voglio citare dei musicisti che ti ho associato e sapere che ne pensi, che rapporto hai o hai avuto con la loro musica. Questi i nomi: Barry Guy, Ornette Coleman, Anthony Braxton, Harry Miller, Jean-François Jenny-Clark, John Coltrane, Jaco Pastorius, Scott LaFaro, Soft Machine e Hugh Hopper, Marcello Melis, Area, ovviamente Enrico Rava… mi fermo qui…
GM: Barry Guy: è un classico esempio di musicista che ha seguito un percorso personale sul suo strumento e che ha inventato un “suono”. E’ riconoscibile dopo poche note, grazie al suo approccio che potremmo definire come “liquido”. Ornette Coleman: ha cambiato la mia vita, come ho avuto l’onore di dirgli personalmente. Mi sono imbattuto nella sua musica quando ero molto giovane e non l’avevo capita; invece si è lentamente e subdolamente insinuata dentro di me come un virus e non mi ha lasciato mai più. Sono un assoluto fan di Ornette: possiedo tutti i suoi dischi ufficiali e svariate decine di bootleg. Anthony Braxton: un altro grande della musica contemporanea che ho scoperto da piccolo grazie ad un amico “illuminato” più grande di me. Ha lasciato molti segni in me e ho avuto la fortuna di suonare e incidere con lui, assieme all’Italian Instabile Orchestra. Harry Miller: confesso di averne una conoscenza piuttosto superficiale, anche se è stato sicuramente una colonna del jazz inglese ed europeo. Prima o poi approfondirò……. Jean-François Jenny-Clark: l’ho conosciuto musicalmente grazie al bellissimo album dell’Enrico Rava Quartet, con Roswell Rudd e Aldo Romano. Un’altra importante colonna del jazz europeo. John Coltrane: altra scoperta di gioventù; ricordo ancora la prima volta che ho ascoltato “Transition”… che altro dire? Grandi emozioni…. Non è per tutti i giorni….. Jaco Pastorius: ho iniziato a suonare il basso elettrico nel momento in cui lui era nel suo massimo fulgore e quindi sarebbe stato impossibile sfuggire al suo influsso, come è successo a migliaia di altri bassisti; fortunatamente il contrabbasso mi ha dato la possibilità di disintossicarmi…… Scott LaFaro: musicista poliedrico (per un periodo ha suonato contemporaneamente sia con Bill Evans che con Ornette Coleman) che ha rivoluzionato il contrabbasso e la sua interazione con gli altri strumenti. Incredibile che sia riuscito a fare tutto ciò in pochissimi anni di attività, un po’ come Jimmy Blanton……. Soft Machine e Hugh Hopper: è un sentiero che ho battuto pochissimo e che mi riprometto di esplorare, prima o poi….. Marcello Melis: conosco il suo lavoro con Enrico Rava e il suo album “The New Village on the Left”; peccato che sia scomparso prematuramente, credo che oggi avrebbe potuto essere una interessante voce fuori dal coro, in Italia……. Area: altra frequentazione adolescenziale che ha lasciato il segno; anche gli album in solo di Demetrio Stratos mi hanno molto influenzato…. Enrico Rava: la sua musica mi è sempre piaciuta, anche prima di suonare con lui, soprattutto l’album con Roswell Rudd e quelli con Franco D’Andrea. E poi avere avuto la fortuna di condividere tanta musica assieme è stata una delle esperienze più importanti e formative della mia vita. |
LDP: Recalling a game proposed by the french magazine Jazz Hot in the 70’s, I’d like to mention some musicians whom I’ve associated to you so as to know what do you think about them and what kind of relationship you have or have had with their music. These are the names: Barry Guy, Ornette Coleman, Anthony Braxton, Harry Miller, Jean-François Jenny-Clark, John Coltrane, Jaco Pastorius, Scott LaFaro, Soft Machine and Hugh Hopper, Marcello Melis, Area, obviously Enrico Rava… I shall stop here…
GM: Barry Guy: he has been the typical musician who followed a personal path on his own instrument and who created a sound. You can recognize him by listening to few notes thanks to an approach that we could define “fluid”. Ornette Coleman: he changed my life as I was honoured to tell him personally. I’ve encountered his music when I was very young and I wasn’t able to understand it truly; then it has taken hold of my brain slowly and elliptically like a sort of virus and up to become impossible to eradicate. I’m an absolute fan of Ornette: I got all of his official records and a lot of bootlegs. Anthony Braxton: another great figure of contemporary music whom I discovered when I was young thanks to an older enlightened friend of mine. He left a lot of marks on me and I had the opportunity to play and record with him in the Italian Instabile Orchestra. Harry Miller: I admit to know him only on the surface, even though he has been surely a cornerstone of european and english jazz. Sooner or later I’ll deepen… Jean-François Jenny-Clark: I encountered him from a musical standpoint thanks to the beautiful album of Enrico Rava Quartet recorded together with Roswell Rudd and Aldo Romano. Another central pillar of the european jazz. John Coltrane: another teenage discover; I still remember the first time I listened to “Transition”… What else?... Great emotions. His music is not the norm… Jaco Pastorius: I started to play electric bass at the time when he was at the highest point of his own career so it would have been impossible to avoid his influence as it happened to thousands of bassists; fortunately double bass gave me the opportunity to wean myself off it… ScottLaFaro: he was a multifaceted artist (for a period he played both with Bill Evans and with Ornette Coleman) and who has revolutionized double basses as well as his interaction with other instruments. It’s incredible that he has been able to put into practice all of that in such a short time, kind of like Jimmy Blanton…. Soft Machine and Hugh Hopper: this is a path that I took few times and that I promise myself to explore, sooner or later… Marcello Melis: I know his work with Enrico Rava and his own album “The New Village on the Left”; it’a a pity that he died prematurely, I think that today he would have been a really interesting and individual voice here in Italy… Area: they were another teenage frequentation that left its mark to me; the same applies to Demetrio Stratos’s solo albums that have inspired me a lot…. Enrico Rava: I’ve always liked his music, even before I played with him, most of all the album with Roswell Rudd and those records in collaboration with Franco D’Andrea. Moreover the opportunity to have shared so much music together has been one of the most important and enriching experience of my life. |
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LDP: Da molti anni sei coinvolto nell’insegnamento. Contrabbasso, basso elettrico, musica d’insieme… oltre un discorso chiaramente tecnico, cosa trasmetti ai tuoi studenti, circa l’approccio alla musica?
GM: La cosa più importante che mi preme far capire è che si suona per comunicare, per parlare agli altri. La musica dev’essere gioia, sincerità, onestà e accettazione di sé stessi, che si acquisisce attraverso l’autoconoscenza. Se invece ciò che si ricerca è la perfezione, la levigatezza, l’approvazione a tutti i costi, si scade nell’accademia, di cui io non sento il bisogno…… LDP: E veniamo alla divulgazione musicale. Vorrei una tua opinione, restando in Italia, sulla stampa specializzata e sul proliferare di blog, siti specializzati, webzine. Pensi che riescano davvero a coesistere e garantire un supporto di qualità alla diffusione della musica? E il jazz –dal più tradizionale alla libera improvvisazione- che fase sta vivendo nel nostro paese? GM: Non leggo molto spesso le riviste musicali; preferisco piuttosto i saggi. Ma, quando ho tempo, mi concentro sulla letteratura……. Comunque credo che le riviste musicali sicuramente possano contribuire alla divulgazione della musica, quando siano ben scritte. Per quanto riguarda lo stato di salute del jazz in Italia, mi pare che stia piuttosto bene; magari non mi interessa proprio tutto quello che viene prodotto ma mi pare che ci sia abbondanza di ogni stile…. Soprattutto nei piccoli festival e in alcuni club e centri sociali, se uno ha voglia di andare in cerca delle cose nascoste senza timore di “sporcarsi le scarpe”… Inoltre io ho la fortuna di vivere molto vicino alla Slovenia, dove c’è una scena molto interessante, soprattutto se confrontata con una popolazione di due milioni di abitanti… LDP: La tua discografia è variegata e impressionante. Oltre a vari lavori di contrabbasso solo (da “Polaroid”, bellissimo, in poi la ricerca è stata continua) e incisioni in formazioni ridotte al minimo o allargate, si nota una predisposizione innata per i duo. Cosa ti piace e ti spinge verso la formula del duo? GM: Mi piace affermare che non amo le grandi tavolate ma preferisco i convivi raccolti, soprattutto se informali… Per la musica è la stessa cosa: riesco a parlare, esprimermi meglio e con maggior spontaneità nei piccoli gruppi. LDP: Tempo fa ho letto una tua bella intervista in bisiaco (dialetto della lingua veneta parlato nella Bisiacaria, nome dialettale con cui si indicano alcuni paesi della bassa friulana in provincia di Gorizia, ndr). Sei molto attento alle tue radici, al linguaggio dei tuoi luoghi natii. Me ne parli? GM: Sì, sono molto legato alle mie radici, anche se non sono così “univoche”: sono nato nella pianura dell’Isonzo e quindi parlo il dialetto bisiaco, ma in realtà i miei genitori erano profughi istriani e nelle generazioni precedenti è successo di tutto: ci sono avi greci, austriaci, dalmati, veneziani. Io credo che tutto ciò sia una grande ricchezza ed è quasi inevitabile, vivendo in una terra di confine…… Inoltre, forse proprio per questi motivi, considero molto importante la mia attività artistica sul territorio; non credo più molto alla “terra promessa”…. Mi fanno un po’ sorridere coloro che si spostano nelle grandi città pensando di trovare qualcosa di magico…. Fino a vent’anni fa forse era così; ora mi sembra che il vero fermento sia nelle province. |
LDP: You have been teaching for many years. Double bass, electric bass, ensemble music… beyond the technical aspect what do you usually communicate to your students about the musical approach?
GM: The most important thing which I want to point out is that every musician should play so as to communicate something and to speak with the audience. Music should be pleasure, sincerity, honesty and self-acceptance that you get from self-consciousness. If, on the contrary, we’re only searching for the perfection as well as the polish and the approval at all costs, you can risk changing to a scholarly approch that we don’t need at all… LDP: Let’s talk about musical diffusion. I’d like to know your opinion about specialised press in Italy and about the spread of blogs, specific websites and webzines. GM: I’m not used to read music magazines; I rather prefer the essays. But, meanwhile, when I’ve got some free time, I focus on literature… Anyway I think that music press can surely enhance the diffusion of music when they’re well written. As regards the state of health of the jazz in Italy I think it’s having a good moment. Maybe I’m not interested in all that is produced here but there seems to be a great variety of styles… Most of all referring to small festivals and some club and community centres, if anyone wants to search for hidden news without fear of “dirtying his new shoes”. Moreover I’m lucky to live pretty close to Slovenia where there’s a really interesting scene especially if compared with its 2 million inhabitants… LDP: Your discography is really various and impressive. In addition to different works focused on double bass (from “Polaroid”, that’s beautiful, onward your research has been continuous) and some records with line up reduced to a minimum or expanded, it’s evident an innate inclination towards duo. What do you like about it and what leads you to this form? GM: I’m fond of stating that I’m not a fan of crowded tables but I prefer closer banquets, especially if they’re informal… As regards music it’s the same thing: I can speak and express myself better and with a greater spontaneity in smaller groups. LDP: While ago, I read one of your interview released in bisiaco (that id a dialect of the Venetian language spoken in Biasicaria, vernacular nomenclature which defines some territories of the lowest part of Friuli in the province of Gorizia, Editor’s note). You pay a great attention to your roots and the language of your native places and culture. Why don’t you tell about it? GM: Yes, I’m very attached to my roots even though they’re not so “unambiguous”: I was born in the plain of Isonzo so I speak bisiaco dialect, but the truth is that my parents were refugees from Istria and in the previous generations has happened a lot to us: there are some greek and austrian ancestors, and other ones who came from Dalmatia and venetians, too. I think that all of that represents great wealth and it’s almost inevitable as we all live in a borderland… Moreover I consider, maybe for these reasons, my own artistic activity very important within territory; I no longer believe to the “promised land”.. People who move to bigger cities expecting to find something magical make me smile… until 20 years ago it was probably so; now it seems that the real ferment develops in the provinces. |
LDP: La tua strumentazione al momento?
GM: Possiedo due contrabbassi: uno di liuteria italiana e un altro di fabbricazione austriaca, entrambi dei primi del Novecento. Soprattutto quest’ultimo, che uso prevalentemente, ha condizionato i miei percorsi musicali degli ultimi dieci anni; credo che anche il tipo di strumento che usi possa avere una grande influenza sul tuo stile. Per quanto riguarda il basso elettrico, utilizzo ancora lo strumento con il quale ho mosso i primi passi: è un vecchio EKO degli anni settanta che mi è stato regalato dai miei genitori dopo un’estenuante lavoro di convincimento da parte mia….. Secondo me è uno strumento bellissimo. Non mi curo molto degli amplificatori: uso ciò che trovo; sono il musicista e lo strumento che fanno il suono…… LDP: Quali sono i tuoi prossimi progetti, sia in studio che live? GM: Negli ultimi anni mi sono concentrato nel lavorare assieme ai musicisti che vivono nella mia zona; ce ne sono tantissimi, più e meno giovani, con i quali mi incontro con regolarità per mettere a frutto alcune mie idee sull’improvvisazione. Il lavoro con gli ospiti importanti non mi attrae più di tanto proprio per l’estemporaneità di questo tipo di incontri; ciò di cui ho bisogno è proprio il fatto di poter costruire assieme un suono grazie alla nostra familiarità. Tutto ciò viene poi documentato con la mia etichetta Palomar Records. Non ci sono tantissime occasioni di portare in pubblico la nostra musica ma lamentarsi non serve a niente; semmai è necessario darsi da fare per far sì che le cose succedano. Comunque in questi giorni sto lavorando alla post-produzione di un nuovo album in solo che si chiamerà “Tramis”, registrato durante un house concert. |
LDP: Would you like to talk about your current gear?
GM: I got two double basses: one from an italian lutherie and the other of austrian manifacture, both of them are date back to the early 1900s. Particularly the latter that I use the most, influenced my musical directions in the last decades; I believe that also the instrument could hold great sway with your own style. As regards electric bass, I’m still playing the instrument that I used when I took the first steps: it’s an old EKO of the 70’s that my parents gave me after a great work of persuasion from me… In my view this is a marvellous bass. I don’t care so much about amps: I use what I find; musician and his own instrument build the sound… LDP: What are your next projects, both in studio and live? GM: In recent years I’ve been focused on working together with my fellow musicians; there are a lot of them, young or less young musicians whom I usually encounter so as to put into practice some of my ideas about improvisation. I’m not so interested in collaborations with the special guests precisely for the extemporaneous side of these kind of encounters; all that I need is exactly the opportunity to build together with these artists a peculiar sound thanks to the familiarity shared with them. Then, all of that is documented through my label Palomar Records. There aren’t so many occasions to perform live our music but it makes no sense to keep complaining; if anything, actions need to be taken, to ensure that things happen. Anyway these days I’m working on the post-production of a new solo album that is called “Tramis”, it has been recorded during an house concert. |
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