INTERVIEW WITH TITO MANGIALAJO RANTZER
“Dedications” is the title of the new work, this time in quartet, of the double bass player Tito Mangialajo Rantzer, whose excellent and amazing album called “Dal basso in alto” we have already reviewed on these pages.
Through “Dedications”, Tito carries out an high profile operation without that razzmatazz, apparently achieved today by a certain italian jazz: his dedications are targeted at some unforgettable characters like Ed Blackwell, Lee Konitz, Billy Strayhorn, Charles Mingus, Morton Feldman, Steve Lacy and finally, someone who does justice to the marvellous Sam Rivers. The merit of this project - in addition to the undoubted compositional brilliance, the instrumental skill and the cohesion between the basic concept and the outcome – can count on another Rantzer’s peculiar quality: that of being a valuable musician who feels and listens to the music. In this mutual exchange between the enthusiast who’s the musician and the musician who’s able to engage with other artists (whether big or small), the sound substance of this elegant and original work is moving fast, where the double bass of the leader climbs up and pastes horn section and percussion to an earthy, flexible and rhythmic body (one would say focused on double bass in the best sense of the definition) as well as devoted to the necessary inspirations. |
“Dedications” è il titolo del nuovo lavoro, questa volta in quartetto, del contrabbassista Tito Mangialajo Rantzer, del quale su queste pagine abbiamo già recensito l’ottimo e sorprendente “Dal basso in alto”.
Con “Dedications”, Tito compie un’operazione di alto profilo ma senza gli strombazzamenti che molto jazz italiano sembra perseguire oggi: le sue dediche vanno infatti a personaggi indimenticabili come Ed Blackwell, Lee Konitz, Billy Strayhorn, Charles Mingus, Morton Feldman, Steve Lacy e finalmente c’è qualcuno che rende giustizia al meraviglioso Sam Rivers. Il pregio di quest’operazione, oltre all’indubbia qualità compositiva e strumentale e alla coesione tra idea di fondo e risultato, consta anche di una qualità tipica di Rantzer e non particolarmente comune: quella di essere un pregiato musicista che ascolta musica. In questo mutuo interscambio tra l’appassionato che è musicista e il musicista che sa appassionarsi agli altri (grandi, medi o piccoli che siano), si muove rapida la massa sonora di questo lavoro elegante e originale, dove il contrabbasso del leader si arrampica e incolla fiati e percussioni ad un corpo terrigno e agile, ritmico –verrebbe da scrivere contrabbassistico nella miglior accezione- e fedele alle dovute ispirazioni. |
Everyone could like to believe that here there’s a sensible resumption of the concept that sounds like “jazz goes jazz” and not “jazz goes pop”; Tito Mangialajo Rantzer always prefers the music over any winks. As if by magic, this honourable feeling is what makes his proposal cool and “gentle” as the real jazz can be.
My personal preference (inside an album that does not present any weak tracks) goes to the labyrinthine and enchantress circularity of “Botosani”, a far-reaching song of impeccable rhythmic geometry. In this interview we talk with Tito about “Dedications” and much more: and as usual it’s a pleasure. |
Piace pensare che qui ci sia un sensato riprendere in mano il concetto di “jazz goes jazz” e non “jazz goes pop”; Tito Mangialajo Rantzer preferisce (da sempre) la musica alle strizzate d’occhio. E come per giusta magia, è questo sentimento integerrimo a rendere la sua proposta fresca e “leggera” come il vero jazz sa essere.
La mia personale preferenza, in un album che non presenta tracce deboli, va alla labirintica e incantatrice circolarità di “Botosani”, di grande respiro e di impeccabile geometria ritmica. Parliamo con Tito di “Dedications” e di molto altro: e come al solito è un piacere. |
COLLABORATIONS
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LDP: “Dedications” is your second solo album. It seems to be a magic balance between tradition, personal style, and density. Would you like to talk about how you came up with the idea of making this record and the whole process of the composition?
TITO MANGIALAJO RANTZER: The idea of recording came up because I needed to document the work developed with my quartet which I put together 4 years ago. This is a pianoless quartet (trumpet, sax, double bass, drums), a line up that I adore in all of its declinations and I’m good in it. I think that it allows musicians to improvise, because the presence of an harmonic instrument could be often highly binding. We have been playing the songs of Billy Strayhorn, Monk and Ornette Coleman, for a long time, these are three authors whom I love. I needed some material which could be already known by each member of the group so as to develop the sound as well as to secure agreement. The plan of this project came up last summer but I was sure I would have never included any “cover”, even though they were of the highest level as regards composition. In recent years I’m increasingly appreciating those who risk by playing their own music instead of falling back on things already known and maybe more accomodating. So I wanted to find a thread that would bring together the pieces of the work. As I recorded two of my own songs included in my first solo album “Dal Basso in Alto” (me on double bass, my voice and my whistle) that I dedicated to some musicians very important to me, I thought to continue with these dedications. |
LDP: “Dedications” è il tuo secondo album solista. Mi sembra proprio che ci sia un magico equilibrio tra tradizione, stile personale, densità. Mi racconti com’è nata l’idea dell’album ed il processo compositivo?
TITO MANAGIALAJO RANTZER: L’idea di registrare è venuta perché avevo l’esigenza di documentare il lavoro musicale svolto con il mio quartetto, che ho messo insieme quattro anni fa. Si tratta di un quartetto pianoless (tromba, sax, contrabbasso, batteria), una formazione che amo in tutte le sue declinazioni e in cui mi trovo molto bene. Credo che permetta molta libertà improvvisativa ai musicisti, essendo spesso la presenza di uno strumento armonico molto vincolante. Per molto tempo abbiamo suonato i brani di Billy Strayhorn, Monk e Ornette Coleman, tre autori che adoro. Avevo bisogno di un materiale già conosciuto dai componenti del gruppo per sviluppare un sound e l’intesa giusta. L’idea di registrare è venuta l’estate scorsa, ma ero sicuro di non volere mettere su cd delle “cover”, anche se di altissimo livello compositivo. Negli ultimi anni apprezzo sempre più chi rischia suonando musica sua, invece di ripiegare sul già sentito, magari più accomodante. Quindi ho voluto trovare un filo rosso che desse coesione al lavoro. Avendo già registrato due brani miei dedicati a musicisti per me importanti nel mio primo lavoro “Dal basso in alto”, un disco in solo contrabbasso, voce (la mia) e fischio (il mio), ho pensato di continuare con le dediche. |
So I composed some tunes dedicated to some musicians whom I love and also to my maternal grandfather a man who spent an interesting as well as very difficult life (he was a jew doctor who lived on the edge from the racist laws to the end of the second world war: thanks to some favourable circumstances he wasn’t deported even though he took a big risk, he was even a socialist…) and to my father who passed away last october. Clearly, I tried not to write tracks in the style of the mentioned artists, even if there’s something about them. They range from Ed Blackwell to Steve Lacy; from Sam Rivers to Mingus (Marco Fior the trumpet player of the quartet has composed the song dedicated to Mingus); from Lee Konitz to Morton Feldman as well as to the actor Marty Feldman. Moreover there’s a tune by Strayhorn called “Something to live for” that I’ve recorded in duo with an amazing singer, Francesca Ajmar (who’s also my wife). In this song I play electric bass which ends the album as I trust I will record something together with her.
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E così ho composto brani dedicati a musicisti che amo e in più a mio nonno materno, un uomo che ha vissuto una vita interessante e difficile (era un medico ebreo e visse sul filo del rasoio dalla promulgazione delle leggi razziali fino alla fine della seconda guerra mondiale: per alcune circostanze favorevoli non fu deportato, ma rischiò grosso, era pure un socialista...) e a mio padre, che è mancato lo scorso ottobre. Ho cercato di non scrivere dei brani nello stile dei musicisti omaggiati, ovviamente, anche se qualche cosa c’è. Si va da Ed Blackwell a Steve Lacy; da Sam Rivers a Mingus (il brano dedicato a Mingus lo ha scritto Marco Fior, trombettista del quartetto); da Lee Konitz a Morton Feldman e all’attore Marty Feldman. In più un brano di Strayhorn, “Something to live for”, che però ho registrato in duo con una splendida cantante, Francesca Ajmar (che è anche mia moglie). Qui suono il basso elettrico e ho lasciato il brano a chiudere il cd come auspicio per una futura registrazione in duo.
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Let me mention who are the other members of the band: Marco Fior on the trumpet, whose style and sound I’ve always liked. He always plays for the music and the group, without any useless fireworks, that are only heplful to show-off. Then there’s Francesco Bianchi on alto and tenor sax. He’s been for years one of the best alto leader for Big Band around, with a phrasing that seems to be close to Cannonball Adderley. I think to have driven him to explore some lesser-known or unknown grounds by leading him to play tenor sax. The outcome seems to be excellent. He’s happy! Then we find on drums Massimo Pintori who’s a big brother for me. I’ve been playing with him in various lineups for over twenty years. I learnt a lot of things by performing with him. Plus, he’s a special and fabulous person. This is a quality that I really appreciate in a musician. The human side is just as important as the artistic one for me. You also need to get confortable off the stage.
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Lasciami ricordare chi sono gli altri componenti del gruppo. Alla tromba c’è Marco Fior, il cui modo di suonare e il suo suono mi è sempre piaciuto. Suona sempre per la musica e il gruppo, evitando fuochi d’artificio fini a se stessi, utili solo a mettersi in mostra. Ai sax alto e tenore, Francesco Bianchi. Francesco è da anni uno dei migliori primo alto da Big Band in circolazione, con un linguaggio molto legato a Cannonball Adderley. Io credo di averlo portato ad esplorare territori un po’ meno conosciuti e ignoti per lui e l’ho spinto a suonare il tenore. Il risultato mi sembra ottimo. Lui è contento! Alla batteria c’è Massimo Pintori, che per me è come un fratello maggiore. Suono con lui in varie formazioni da più di vent’anni. Ho imparato molto suonandoci assieme. In più è una persona speciale, favolosa. Questa è una qualità che apprezzo molto nei musicisti. Il lato umano per me conta tanto quanto quello musicale. Bisogna star bene anche giù dal palco.
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LDP: I’d like to know something about your story as musician, your beginnings, masters, your path till today…
TMR: I've taught myself to play the guitar when I was ten. I adored Beatles and each night with my sister who was just a little bit older than me, we were used to lock ourselves in our room to play and sing songs of Fab Four. Then, at Christmas in 1978 my grandmother gave us a book complete with all the songs of the Beatles. There were also all the tabs with the position of chords, that is why I started to study more deeply. In 7th grade I wanted an electric bass so as to emulate McCartney who was my absolute idol at that time. I passed several months listening to records most of all of Sgt.Pepper and learning by ear Sir Paul’s bass lines. Later in the eighth grade there were the Police and the Blues Brothers: so it was an indigestion of Sting’s as well as “Duck” Dunn’s lines. Then there was Pino Daniele and Rino Zurzolo. When I was thirteen the lightbulb went on at the top of my head: I attended the concert of Weather Report on 25 October at the Palalido in Milan. It was the first time that I went to a concert. I was with my sister, clearly. Watching and listening to how performed Jaco on bass changed all my life. When I was sixteen I used to have paid gigs: in the repertoire we had songs of Pino Daniele, Billy Cobham and a bit of fusion in vogue then (on drums there was Maxx Furian, who later became one of the best italian drummers. He played pretty good even at the time…) When I was eighteen I got addicted to jazz, thanks to my father and I thought that I should have swiched to double bass. I studied one year in a private well-organized school in Milan with Franco Feruglio, a really good and open minded teacher who then went to teach in conservatory. Therefore in 1989, as 22-year-old, I subscribed to the Civil School of Jazz in Milan that was just opened (I’ve been one of the first student of double bass). There I’ve studied for almost three years with Giorgio Azzolini, a legend of italian jazz. I followed only a course about the classic approach to the instrument so as to better master it. |
LDP: Vorrei che mi raccontassi della tua storia di musicista, gli inizi, i maestri, il cammino, oggi…
TMR: A dieci anni ho cominciato a suonare la chitarra da autodidatta. Adoravo i Beatles e ogni sera con mia sorella, di pochi anni più grande di me, ci chiudevamo in camera a suonare e cantare le canzoni dei Fab Four. Poi a Natale del 1978 mia nonna ci regalò il libro completo delle canzoni dei Beatles. Lì c’erano anche i diagrammi con le posizioni degli accordi e quindi mi sono messo a studiare più approfonditamente. In seconda media ho voluto un basso elettrico, per emulare McCartney all’epoca il mio idolo assoluto. Ho passato mesi ad ascoltare i dischi, soprattutto Sgt.Pepper e ad imparare a orecchio le line di basso di Sir Paul. Poi in terza media sono arrivati i Police e i Blues Brothers: quindi indigestione delle linee di Sting e di “Duck” Dunn. Poi Pino Daniele e Rino Zurzolo. A tredici anni la folgorazione: andai a sentire i Weather Report il 25 ottobre 1980 al Palalido di Milano. Era la prima volta che andavo a un concerto. Ci andai con mia sorella, ovviamente. Vedere e sentire quello che faceva Jaco col basso mi cambiò la vita. A sedici anni già facevo seratine pagate: in repertorio avevamo brani di Pino Daniele, Billy Cobham, un po’ di fusion di quegli anni (alla batteria c’era Maxx Furian, che poi è diventato uno dei più bravi batteristi italiani. Già all’epoca non scherzava…). A 18 anni mi sono appassionato al jazz, grazie a mio padre, e ho pensato che sarei dovuto passare al contrabbasso. Ho studiato un anno in una scuola privata molto ben organizzata di Milano con Franco Feruglio, un bravissimo insegnante veramente “open minded” che poi passò ad insegnare in Conservatorio. Quindi nel 1989, ventiduenne, mi iscrissi alla Scuola Civica di Jazz di Milano, appena aperta (sono stato uno dei primissimi studenti di contrabbasso). Lì ho studiato quasi tre anni con Giorgio Azzolini, una leggenda del jazz italiano. Con lui ho seguito praticamente solo un corso di impostazione classica per padroneggiare al meglio lo strumento. |
At the same time during those years I used to go to the legendary Capolinea in Milan and to Tangram. I tried to learn as much as I could by listening and looking at the great musicians who came through there. I attended a lot of fantastic concerts, looking closely masters like Art Blakey, Tony Williams, Paul Motian, Ray Brown, Charlie Haden, Joe Lovano, Bill Frisell...
I learnt so much listening to records over and over and writing down. I was used to go to Capolinea so as to listen to Marco Vaggi, a really excellent double bass player. Gradually he started to bring me up on the stage to play one or two songs together with people like Mario Rusca, Luigi Bonafede, Michele Bozza, Paolo Pellegatti… you know, all the circle of hard bop of the ‘80s in Milan, a circle of great musicians. I must admit that my legs were just trembling for a bit, as I’ve always held all of them in the highest esteem. Anyway I think to have learnt a lot, even by embarassing myself. However Marco Viaggi has always been full of suggestions for me s well as Bozza, with whom I started to collaborate (Marco some times sent me to replace him). I remember all the road trips with Bozza who used to sing to me all the bass lines I should have had to play in addition to all the endless lessons on the street at 2:00 a.m before we said goodbye: lessons on pronunciation, swing, harmony, going on and after on time… Michele is a great teacher as well as an amazing sax player. In summary, I’d say that other than a solid instrumental background granted to me by Azzolini, I could consider me a self-taught musician: I’ve always been curious which leads me to listen to a lot of music as well as to collaborate with many jazz musicians very different from each other. I’ve always learnt something and I’ve been enhanced from all of them. Today I’m used to work together with scores of leaders so as to be ecouraged to develop, or so I believe. Plus, I have this quartet under my name, the first one, with whom I want to carry on my music. I didn’t have time to spend my effort on a project of mine, maybe because of a sort of self-censorship... |
Contemporaneamente in quegli anni frequentavo molto il mitico Capolinea di Milano e il Tangram. Cercavo di imparare il più possibile ascoltando e guardando i grandi che passavano di lì. Ho sentito dei concerti fantastici, guardando da vicinissimo dei mostri come Art Blakey, Tony Williams, Paul Motian, Ray Brown, Charlie Haden, Joe Lovano, Bill Frisell...
Tantissimo ho imparato dai dischi, ascoltando ripetutamente e trascrivendo. Al Capolinea andavo spesso ad ascoltare Marco Vaggi, un contrabbassista strepitoso. Piano piano lui cominciò a chiamarmi sul palco a suonare uno e due pezzi con gente come Mario Rusca, Luigi Bonafede, Michele Bozza, Paolo Pellegatti…insomma tutto il giro hard bop milanese degli anni ’80, tutti ottimi musicisti. Devo dire che un po’ mi tremavano le gambe, tanto era il rispetto che nutrivo per loro. Però così credo di avere imparato molto, anche facendo delle belle figuracce. Ma Marco Vaggi è sempre stato prodigo di consigli e anche Bozza, con il quale cominciai a collaborare (Marco mi mandava ogni tanto a sostituirlo). Ricordo i viaggi in macchina con Bozza che mi cantava le linee di basso che avrei dovuto suonare sui pezzi del repertorio e poi interminabili lezioni per strada, alle due di notte prima di salutarci: lezioni sulla pronuncia, sullo swing, sull’armonia, sul tirare avanti e tirare indietro sul tempo…Michele è un grande insegnante, oltre che un sassofonista bravissimo. Rissumendo direi che a parte una solida base strumentale fornitami da Azzolini, posso considerarmi un autodidatta: ho sempre avuto grande curiosità e questo mi ha spinto ad ascoltare molta musica e a collaborare con tanti jazzisti molto diversi tra loro. Da tutti ho imparato qualche cosa e ho ricevuto stimoli. Oggi collaboro sempre con decine di leader e ricevo così sempre nuovi input per crescere, almeno credo. In più ho questo quartetto a mio nome, il primo (non ho mai avuto molto tempo per dedicarmi a un mio progetto, forse anche per una sorta di autocensura…), con il quale voglio portare avanti la mia musica. |
LDP: I’d like to know your opinion about the state of jazz in Italy, your idea as an insider from the point of view of the enthusiast, too…
TMR: Ok, so… I think there are a lot of excellent and skilled musicians. The matter is that the audience has been reduced than twenty/thirty years ago, the same applies to public funds to organize festivals but there are still more and more valuable and interesting artists. The supply is growing but the demand is decreasing. This is a problem, because it’s really hard to get the chance to perform live. Sadly, it is well known that there’s been a small generational change in the audience which is growing increasingly older. I see few young people to the gigs. The opportunities to listen to jazz on TV and on the radio are slim to none (except oasis like Battiti on Radiotre but it’s on the air at midnight…). It’s hard, anyway, we have to continue our efforts and militate. About the so-called mainstream press, I would prefer to draw a veil over it. There are still some blogs and interesting websites where the enthusiast can find new and exciting things. But he should already know where he can find them. It’s rare that a young guy runs into jazz. |
LDP: Una questione che ci sta molto a cuore: il jazz. In questo caso, vorrei la tua opinione sullo stato di salute del jazz in Italia. Comprendendo nel ragionamento la risposta del pubblico, i luoghi dove suonare, la stampa… una tua idea dal di dentro, ma anche con lo sguardo dell’appassionato…
TMR: Eh…Dunque: credo che ci siano tanti musicisti bravi e preparati. Il problema è che rispetto a venti-trenta anni fa sia diminuito il pubblico, diminuiti i fondi pubblici per l’organizzazione di rassegne e festival e aumentati i musicisti validi e interessanti. Aumenta l’offerta, diminuisce la domanda. Questo crea un problema, perché è difficilissimo avere occasioni decenti per esibirsi dal vivo. Quello che in più tristemente noto è che c’è stato poco ricambio generazionale nel pubblico che invecchia sempre più. Vedo pochi giovani ai concerti. E sempre più anziani. E quando moriranno? Le occasioni per ascoltare jazz in tv o in radio sono minime se non nulle (a parte poche isole felici come Battiti su Radiotre che però è a mezzanotte…). È dura, ma bisogna continuare ad impegnarsi e a militare. Sulla stampa cosiddetta mainstream preferirei stendere un velo pietoso. Restano un po’ di blog o siti interessanti dove l’appassionato può trovare cose nuove e stimolanti. Ma deve sapere dove andare a cercare. Un giovane difficilmente si imbatte nel jazz. |
LDP: Let’s talk about the commercial business grewed around jazz. There are often a lot of controversies between those who love the pop pastiche that pushes jazz into the arms of the large audience and those who say “guys, this is jazz”… Would you explain your point of view about this issue?
TMR: I prefer those who compose and perform their own music. Ellington, Morton, Monk, Ornette, Herbie Nichols, Coltrane, Rivers, Cecil Taylor, Threadgill, Dave Holland, Steve Coleman etc. have always done this way. Clearly, they also played standards but for me it’s different. A tune of Cole Porter is still standing even just with guitar or bass and voice, as they’re full of harmony and melody. If you get some pop or rock songs, even those ones written and performed by the greatest artists, without the original performer, they don’t work in my view, they lose their appeal. The piece called “19th Nervous Breakdown” is a great song (and I’m not even a fan of the Stones…). But if you remove the voice of Jagger and those guitars, what’s left? It would sound too pathetic if a jazz band played it, maybe with a glamorous trumpeter with a muffler and a trendy sound. Stones are thousands times better! Plus, in my opinion, if someone plays an easy piece of a rock or pop group in the style of jazz, he won’t attract new audience. Nirvana’s fans will always prefer Nirvana (and they got a great sound) so they won’t swich from Nirvana copycat jazz musician to Monk. Anyway this is my opinion, then all the people do what the sensibility wants them to do. Nowadays, there has been the fashion of tribute bands: to Monk, Bill Evans, Kind of Blue, Don Cherry… There's a little something for everyone. I mean, all the people should do what they believe, anyway I prefer to listen to those artists who risk putting themselves into their music. Personally I listen to Bill Evans through Bill Evan’s records. |
LDP: Circa la questione dello “sdoganamento popolare” del jazz. Tema sempre caldo e dibattuto. Si verificano spesso polemiche (in certi casi sgradevoli) tra quelli che amano il pastiche pop che spinge il jazz tra le braccia (ma sarà poi davvero così?) del largo pubblico e chi invece dice “ragazzi, il jazz è questo. Non è che per non apparire snob dobbiamo suonare per forza un tributo a Mino Reitano”… questa è chiaramente una piccola forzatura retorica, ma mi spieghi il tuo punto di vista sulla questione?
TMR: Io preferisco chi si mette a comporre e suonare musica sua. Ellington, Morton, Monk, Ornette, Herbie Nichols, Coltrane, Rivers, Cecil Taylor, Threadgill, Dave Holland, Steve Coleman ecc. ecc. hanno sempre fatto così. Certo si suonavano anche gli standard, ma per me è diverso. Un brano di Cole Porter sta in piedi suonato anche solo chitarra e voce. Anche solo basso e voce, tanto sono ricche l’armonia e la melodia. Se prendi un pezzo pop e rock, parlo di quelli scritti e interpretati magari anche da dei grandi, senza chi lo ha suonato e cantato in originale, secondo me non regge, perde di interesse. “19th Nervous Breakdown” è un gran pezzo ( e non sono un amante degli Stones...). Ma togligli la voce di Jagger e quelle chitarre: che rimane? Suonato da un gruppo jazz mi sembrerebbe patetico, magari con un trombettista glamour col suono bello bello e la sciarpetta. Meglio mille volte gli Stones! In più secondo me se uno suona una cosa facile facile di un gruppo pop o rock e lo veste di jazz non porta nuovi ascoltatori al jazz. I fans dei Nirvana preferiranno giustamente sempre i Nirvana (grande sound il loro) e non passeranno dal jazzista nirvaneggiante di turno a Monk. Ma è una mia opinione, poi ognuno fa quello che gli dice la sua sensibilità. Adesso poi è invalsa la moda di fare il gruppo tributo: tributo a Monk, a Bill Evans, a Kind of Blue, a Don Cherry...ce n’è per tutti gusti. Ripeto, ognuno è giusto che faccia quello che crede, ma io preferisco ascoltare chi rischia mettendoci del suo. Bill Evans me lo ascolto sui dischi di...Bill Evans. |
LDP: Above, I’ve asked you about the masters; what have been the encounters that have made an impact on you and that you remember with emotion? I know that you recently met Barre Philips…
TMR: Yes. At the beginning of september I had the honour of studying for some days together with Barre Philips, to his house in France. He organizes every years some workshops opened to double bass players. He usually selects few musicians, so the fact that he chose me, made me really glad. Barre is a great improviser, I think the first one to record solo albums on double bass. Some friends of mine, who knew him, have told me that all of his suggestions are sufficient to keep studying and reasoning for months and months. It’s cool! I’m really interested in more or less free and radical improvising. One of my favorite double bass players was Peter Kowald whom I listened to three times at the gigs. Every time was amazing. LDP: Your relationship with electric bass… TMR: It’s the instrument I started out with. For several years I’ve left it out for the double bass. Recently I’m catchig up on it. I never stopped to study it, on by myself and to teach it, but I think to be, first of all, a double bass player, as I believe to have found my personality on double bass. At least I tried to do it seriously. |
LDP: Prima ti ho chiesto dei maestri; quali sono gli incontri che ti hanno segnato di più e ricordi con particolare emozione? So che hai da poco incontrato Barre Phillips…
TMR: Sì. A inizio settembre ho avuto l’onore di andare studiare qualche giorno con Barre Phillips, a casa sua in Francia. Lui organizza ogni anno dei workshop per contrabbassisti. Non ne prende molti a studiare con lui, quindi il fatto che sia stato scelto mi fa molto piacere. Barre è un grande improvvisatore, credo il primo a registrare dei dischi in solo contrabbasso. Amici che ci hanno già avuto a che fare mi dicono che quello che ti dice e ti spiega ti basta per andare avanti a studiare e a ragionare per mesi e mesi. Bello! L’improvvisazione più o meno free e radicale mi interessa molto. Uno dei contrabbassisti che ho amato di più è stato Peter Kowald, che ho ascoltato tre volte dal vivo. Ogni volta un’esperienza pazzesca. LDP: Il tuo rapporto con il basso elettrico… TMR: E’ lo strumento con cui ho iniziato. Per anni l’ho lasciato in disparte a favore del contrabbasso. Ultimamente lo sto riscoprendo. Ho sempre continuato a studiarlo per mio conto e ad insegnarlo, ma credo di essere soprattutto un contrabbassista: con il contrabbasso credo di avere trovato una voce personale. Almeno ci ho provato molto seriamente. |
LDP: Are there any genres that you like more, besides jazz? What do you think about “future jazz” that has increased as regards consensus for a few years. I think about some artists like Erik Truffaz, Bugge Wesseltoft but also about the combination between electronic music and jazz (the disputed “jazztronica”) that has created synthetic as well as innovative sounds on the basis of jazz music…
TMR: I’ve been loving brazilian music for years, which does not consists only in Bossa Nova, a genre that I know very well. I like it so much. I’m playing it with Francesca Ajmar who’s a failed brazilian: she can speak and sing in such a perfect Portuguese. We have started a collaboration together with one of the greatest samba carioca man, the composer and guitarist Moacyr Luz. All of that culminated in the cd called “Diius Lugares” of 2014. Moacyr has composed seven songs for Francesca and then tunes of Antonio Zambrini, some of mine and Francesca. The last time we were in Rio to play, we knew Paula Santoro a really excellent singer, we hope to work with her sooner or later. About the mixing of jazz and electronic music, I know very little. Except the fact that recently in Milan a pianist/ keyboardist, Mario Ermoli, has involved me in a project of this kind. It’s interesting but we had few opportunities to play together until now. Then we’ll see. Acoustic music is surely what I like most. I find that electronic sound starts aging faster and what surprises me is that within 5 years all of that will be outdated. At least that’s what I found. But when I listen to Coleman Hawkins… |
LDP: A parte i tributi pop e quanto detto precedentemente, ci sono dei generi oltre il jazz che ti coinvolgono particolarmente? E cosa ne pensi del “future jazz” che da qualche anno cresce a livello di consensi sulla scena? Penso in particolare ad artisti come Erik Truffaz, Bugge Wesseltoft, ma anche alla commistione tra elettronica e jazz (la controversa “jazztronica”) che ha partorito dei mutanti innervati di suoni sintetici e modernismi, ma gratta gratta sono degli osservanti della materia jazzistica…
TMR: Da anni adoro la musica Brasiliana, che non è solo bossa nova…, del quale sono diventato abbastanza esperto. Mi piace tantissimo. La suono con Francesca Ajmar, che è una brasiliana mancata: parla e canta in perfetto portoghese. Quando siamo in Brasile credono che sia di lì…Con lei abbiamo da qualche anno intrapreso una collaborazione con uno dei più grandi sambisti carioca, il compositore e chitarrista Moacyr Luz. Il tutto è sfociato nel cd “Diius Lugares” del 2014. Moacyr ha scritto sette brani apposta per Francesca e poi brani di Antonio Zambrini, miei e di Francesca. L’ultima volta che siamo stati a Rio a suonare abbiamo conosciuto Paula Santoro, una cantante eccezionale, con la quale speriamo di cominciare a collaborare. Delle commistioni jazz-elettronica invece so poco. Se non che ultimamente un pianista/tastierista di Milano, Mario Ermoli, mi ha coinvolto in un progetto di questo tipo. E’ interessante, ma abbiamo purtroppo avuto troppe poche occasioni fino ad ora per suonare insieme. Vedremo…Sicuramente la musica acustica mi piace di più. Trovo che i suoni elettronici invecchino più velocemente e quello che oggi ci stupisce fra 5 anni sia tremendamente superato. Almeno questo è quello che ho riscontrato. Quando invece sento il suono di Coleman Hawkins... |
LDP: You’re interested in cinema, literature (and for some reason it does not surprised me) and I suppose in other arts. Do you believe in multidisciplinary approach and do you dip into it?
TMR: Meanwhile, you jumped right to it: I adore cinema as well as literature and arts… I’ve often played in multidisciplinary contexts, but the have always called me. I never planned a project like this on my own initiative. Lately, always with Francesca, I’m collaborating with Alessandro Sanna who’s one of the greatest children’s books illustrators on a global scale. H’s been published all over the world and he wins a lot of awards. His last book is called “Pinocchio prima di Pinocchio” and we’re getting a show directed by Marco Chiarini, where Alessandro paints watercolours on the stage and the drowing board is projected on a screen, you can see how he works step by step. Francesca and I perform a soundtrack - I hope appropriate - by interacting with him. It’s really amazing. |
LDP: Sei interessato al cinema, alla letteratura (chissà perché non me ne stupisco) e immagino ad altre arti. Credi in forme interdisciplinari e attingi? Domanda retorica…
TMR: Intanto hai azzeccato: amo il cinema, la lettertura, l’arte…Mi è capitato spesso di suonare in contesti interdisciplinari, ma sempre chiamato da qualcuno. Non mi sono mai messo io a creare un progetto simile. Ultimamente, sempre con Francesca, stiamo collaborando con Alessandro Sanna, che è uno dei più grandi illustratori di libri per bambini e ragazzi a livello planetario. E' pubblicato in tutto il mondo e vince premi su premi. Il suo ultimo libro si intitola “Pinocchio prima di Pinocchio” e stiamo portando avanti uno spettacolo, con la regia di Marco Chiarini, in cui Alessandro disegna ad acquerello sul palco e la tavola viene proiettata su uno schermo, si vede proprio come lavora, si vede nascere la tavola passo passo. Io e Francesca forniamo una colonna sonora credo appropriata interagendo anche con lui. Molto bello. |
LDP: I want to propose to you an issue very important to me: the state of the records stores. Without being nostalgic, do you think that they are decreasing and that all the trained sellers are all out of job? What’s your opinion about digital music and about the over-centralisation of the Amazon? Can you suggest any recipe?
TMR: I also find it’s a pity that records stores are diminishing, but I’m almost 50 years old I think I belong to another era. When I was 20/25 I was used to spend hours in the records stores (Buscemi in Milan was my absolute favorite place on Saturday morning). Sincerely I don’t think I have the recipe. I suppose you can’t stop time, even if it fosters evolution (or regression) that we don’t like. Digital music surely is a great convenience, but maybe for who weren’t used to comb through records for hours before deciding to buy one of them could be a limit. When I was a kid I was used to buy two records a month and in that month I usually listened to them almost obsessively until I had memorized them. Today certain guys, I think about some of my students, have on their hard drive all the complete discography of Miles Davis. But do they know it for real? |
LDP: Ti sottopongo una questione che mi sta a cuore per ovvi motivi ma che è di taglio “universale”: i negozi di dischi. Senza fare del vaudeville nostalgico à la Nick Hornby, pensi sia normale che ce ne siano sempre meno e che gli addetti specializzati (più che altro gli “storici”, perché di ragazzi volenterosi ce ne sono a iosa) siano tutti a spasso? Cosa pensi della musica liquida, dell’accentramento su Amazon? Qualche ricetta?
TMR: Anche io trovo che sia un peccato che i negozi di dischi siano sempre meno, ma ho quasi cinquanta anni, mi sa che appartengo ad un’altra era. Quando avevo 20/25 anni ci passavo le ore nei negozi di dischi (Buscemi a Milano era la meta del sabato mattina). Sinceramente non ho una ricetta. Credo che non si possa fermare il tempo, anche se porta a evoluzioni (involuzioni?) che non ci piacciono. La musica liquida è sicuramente una gran comodità, ma forse per chi non è passato dallo spulciare gli elleppì per ore prima di decidersi a comprarne uno può essere un limite. Io da ragazzo quando andava bene compravo due dischi al mese e in quel mese li ascoltavo in maniera quasi ossessiva, fino a saperlo a memoria. Ora certi ragazzi, penso ad alcuni miei allievi, hanno su hard disk tutta la discografia di Miles Davis. Ma la conoscono poi a fondo per davvero? |
LDP: What about your favourite albums? You can mention me all the titles you prefer, with no limit of number, genre or coming out!
TMR: Considering that I have around 4,000 titles among lps, cds, cassette tapes (!) and hard drive, I selected those ones that I listened more and which shaped me between 15 and 30. I think that without these records I would not become who I am now.
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LDP: Ritorniamo ad Hornby… i tuoi dischi fondamentali. Senza limite di numero, di genere ed anche di outing!
TMR: Calcolando che ho circa quattromila titoli tra lp, cd, musicassette (!), hard disk, ho selezionato questi, che sono quelli che ho ascoltato di più e che mi hanno credo formato tra i 15 e i 30 anni. Penso che senza questi dischi non sarei quello che sono oggi.
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LDP: In “Something to live for” of Billy Strayhorn, that is the final track of your new album, there’s your wife Francesca on vocals. It’s a beautiful and unusual performance of a timeless standard. Yours is a familiy full of music, jazz, Brazil… Have you ever thought to record a duo album?
TMR: As I’ve anticipated above, we have been planning a duo album for a long time. Francesca and I have been playing together for 17 years and we have been living together for 15 years. Besides playing in her lineups which have changed over the years (quartet, quintet, trio…) we started to work together immediately, by performing in widely various contexts as well as rehearsing between a lunchtime and a snack, before picking up our babies at daycare or taking them to the swimming pool (we have two fantastic kids, Silvia of 13 years and Dario of 7 years), after walking the dog. I mean, this is a very intense and homey duet which would be pretty to document sooner or later. |
LDP: In “Something to live for” di Billy Strayhorn, ultima traccia del tuo nuovo lavoro, c’è tua moglie Francesca alla voce. Una bellissima ed inusuale resa di uno standard senza tempo. La tua è una famiglia ricchissima di musica, jazz, Brasile… avete pensato ad un intero disco in duo?
TMR: Come dicevo prima, ad un disco in duo ci pensiamo da tempo. Io e Francesca suoniamo insieme da quasi 17 anni e viviamo insieme da 15. Oltre a suonare nelle formazioni di Francesca, cambiate negli anni (quartetto, quintetto, trio…), da subito abbiamo cominciato a suonare in duo esibendoci nei più svariati contesti, con prove tra la preparazione di un pranzo e una merenda, prima di andare a prendere i bimbi all’asilo o di portarli a nuoto (abbiamo due figli fantastici, Silvia di 13 anni e Dario di 7), dopo aver portato a spasso il cane. Insomma, è un duo molto vissuto e casalingo che sarebbe bello prima o poi documentare. |
LDP: Let’s finish with the angle of suggestions. Would you like to mention any records to find out or rediscover?
TMR: Here I’d like to mark the world of brazilian music, that I’ve learnt to know in the last 15/20 years. In this period I’ve consumed a lot of records besides have reading several books on this subject, I’ve gone three times to Brazil together with Francesca and I played there as well as encountered many musicians. I thank Francesca, because I got carried away by her. Brazilian music is an amazing and various universe that in my vew is far superior, light-years ahead, it reveals to be more interesting than all the pop and anglo-american rock that I got to listen to. Here if you speak about brazilian music everyone immediately thinks about Bossa Nova and Jobim, who are also great. But there’s so much more. Most of all the world of the Choro, Samba, Forrò and all the regional musics… In my opinion there's really no contest, but the anglophone cultural hegemony daily labels as genius some misicians who are not so brilliant. And then, once they die… Anyway, here they are some musicians whom I adore in this genre and of which I’m so fond (I don’t mention the records, you can choose one of them by chance and you’ll find a great album): Cartola, Beth Carvalho, Gal Costa, Jobim, Joao Gilberto, Joyce Moreno, Edu Lobo, Pixinguinha, Radames Gnattali, Ney Matogrosso, Sergio Santos (well, the cd called “Africo” is a masterpiece), Milton Nascimento, Joao Bosco (who sings together with one of the greatest drummer, Kiko Freitas), Leny Andrade, Leila Pinheiro, Toninho Horta, Paula Santoro, Dorival Caymmi and his marvelous sons Nana e Dori, Paulinho da Viola, Djavan (watch the video called “Aria” with a big group), Chico Buarque, Jackson do Pandeiro, Trio Madeira Brasil, Roberta Sà, Moacyr Luz…Probably I forgot many of them, but it’s an infinite and an extraordinary world. |
LDP: Chiudiamo con la pagina dei consigli. Anche qui, senza limiti di genere e numero, ci consiglieresti dei dischi da scoprire e riscoprire?
TMR: Qui mi piacerebbe segnalare il mondo della musica brasiliana, che ho imparato a conoscere negli ultimi 15/20 anni. In questo periodo ho divorato una grandissima quantità di dischi, letto libri sull’argomento, sono andato tre volte in Brasile con Francesca, ho suonato là, conosciuto musicisti. Ringrazio Francesca che mi ha attaccato il “morbo”. Quello brasiliano è un mondo musicale favoloso e variegato che secondo me è di gran lunga superiore , ma proprio anni luce avanti, molto più interessante di tutto il pop e il rock anglo- americano che ho avuto modo di ascoltare. Qui se si parla di musica brasiliana si pensa subito alla Bossa Nova e Jobim, che sono già delle cose favolose. Ma c’è molto, molto di più. Soprattutto tutto il mondo dello Choro, del Samba, del Forrò, delle musiche regionali... Secondo me non c’è proprio partita, ma l’egemonia culturale mondiale anglofona ci spaccia quotidianamente per dei geni, musicisti che a mio avviso hanno poco di geniale. Quando poi muoiono… Comunque, ecco alcuni musicisti che adoro in questo campo e dei quali non farei a meno per tutto l’oro del mondo (non segnalo i dischi, basta prenderne a caso e probabilmente si pesca un gran disco): Cartola, Beth Carvalho, Gal Costa, Jobim, Joao Gilberto, Joyce Moreno, Edu Lobo, Pixinguinha, Radames Gnattali, Ney Matogrosso, Sergio Santos (ecco, il cd “Africo” è un capolavoro), Milton Nascimento, Joao Bosco (che suona con uno dei più pazzeschi batteristi del mondo, Kiko Freitas), Leny Andrade, Leila Pinheiro, Toninho Horta, Paula Santoro, Dorival Caymmi e i suoi favolosi figli Nana e Dori, Paulinho da Viola, Djavan (guardatevi il video “Aria” con un super gruppo), Chico Buarque, Jackson do Pandeiro, Trio Madeira Brasil, Roberta Sà, Moacyr Luz…ne dimentico molti, è un mondo infinito e straordinario. |