INTERVIEW WITH
MARK EGAN
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«When I joined the Pat Metheny group in 1976 was the beginning of the real developmental period when I started to play fretless bass. I realized that the instrument was so expressive and that a melody or bass line could be played countless ways with different nuances around the notes. I realized that the bass is a very vocal instrument» __________________________________________ «Quando mi unii al Pat Metheny Group nel 1976 fu l’inizio di una fase di reale evoluzione una volta che approcciai il fretless. Mi resi conto che lo strumento risultava molto espressivo e che qualsiasi melodia o linea di basso poteva essere suonata infinite volte ma con sfumature differenti ad ogni nota. Avevo capito che il basso è uno strumento vocale in cui le note sostengono e sono molto simili alla voce umana» |
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A VISIONARY BASS WITH AN INTIMATE AND UNLIMITED SOUND: INTERVIEW WITH MARK EGAN For those of us who deal with this website, for many of our readers as well as for anyone who loved the most beautiful pages of the fusion since the end of the 1970s, Mark Egan has definitely been a legendary bassist, a sort of tutelary deity. One of the reasons for the great love, respect and esteem that this extraordinary musician fully deserves, surely is his own ability to provide continuity to the development of electric bass as a melodic instrument even after the tragic departure of the great Jaco Pastorius. As Mark himself has told us in the following interview: «everybody has his own voice», this artist has been able to make very soon more than recognisable his own personal sound, which is warm and dreamy on fretless and deep as well as cultured on fretted, too. He has been a musician of sublime stature with Gil Evans, a key member of the first Pat Metheny Group (together with his mate in Elements band, the drummer Danny Gottlieb), we can find Mark on the best jazz, fusion and pop recordings in a space of 30 years at least of great music, by playing with Michael Franks, Steve Grossman, Jackie McLean, David Matthews, Lew Soloff, Arcadia and a thousand others. |
UN BASSO VISIONARIO DAL SUONO INTIMO E ASSOLUTO: |
As a valuable composer and lead bassist, Mark Egan is the author of some excellent solo albums focusing with a great attention on far-reaching compositions and not on temporary trends. And he has been one of the two minds - together with Gottlieb - to have created and shaped the sound of Elements, that is to say an atypical line-up extended to some important guests and which has created amazing works like their namesake first album and the precious as well as suggestive “Forward Motion”, the dense “Illumination”. A project that was further enriched with fantastic guitarists like Steve Khan and Stan Samole. But Mark Egan has not been only the standard bearer for the royal fusion not tainted by the commercial habit; through his own eclecticism and his curiosity he could also capture some of the more hortodox jazz languages and he proves to be an enlightened session man inside world, pop and rock projects. So he’s a complete artist, devoted to a pure expression and to the sincerity of music approach; he confirms to be fearless in respect of any restrictive labels with regard to all the kind of music to which he can give his own personal voice. Mark Egan’s fluctuating bass, sometimes mystical too, has accompanyed all of us during many years of listenings and explorations. By reading this interview you can see that – it’s no surprise, considering Mark's long music career – his peculiar curiosity is not only not disappeared but it has increased just as much as his desire to give emotions and intense notes like the sound journey which is still going on. |
In qualità di compositore e solista, Mark Egan è artefice di alcuni pregevoli dischi solisti, concepiti con grande attenzione al respiro della musica e non a mode transitorie, ed è stato appunto una delle due menti, con Gottlieb, ad aver creato e forgiato il sound degli Elements, un’atipica formazione “allargata” a ospiti di rilievo che ha partorito splendidi lavori come il primo omonimo album, il prezioso e suggestivo “Forward Motion”, il denso “Illumination”, impreziosito ulteriormente da chitarristi quali Steve Khan e Stan Samole. Mark Egan, però, non è stato solo l’afiere di una fusion regale non sporcata dal vizio commerciale; con il suo eclettismo e la sua curiosità ha catturato anche linguaggi jazz più ortodossi ed è un session man illuminato in progetti world, pop e anche rock. Un musicista completo dunque, devoto alla purezza dell’espressione e alla sincerità nell’addentrarsi, impavido rispetto a banalizzanti etichette, in tutti i tipi di musica cui sente di poter dare la sua voce così personale. Il basso fluttuante, per certi versi dai tratti mistici, di Mark Egan ha accompagnato tutti noi in anni e anni di ascolti e di approfondimenti. Da questa intervista si evince –non c’è da stupirsene, considerato il curriculum di Mark- che la curiosità che lo contraddistingue non solo non si è spenta, ma è cresciuta come la sua voglia di regalare emozioni e note lunghe come il viaggio sonoro che è ancora in corso. |
BMF: Let’s start from your beginnings. Would you like to tell us what drove you to choose electric bass? ME: My first instrument was guitar when I was 9 years old. I then switched to trumpet at 10 years. I was attracted to the sound of trumpet and my father was a trumpet player in the Navy. I studied trumpet all through Junior high and high school and played in local R&B bands when I was 15. It was then that I became attracted to bass. I was listening to the popular music at the time, which encompassed a wide spectrum of artists ranging from all of the Motown artists (James Jamerson) to Jimi Hendrix, Cream (Jack Bruce), The Beatles (Paul McCartney), Jefferson Airplane (Jack Casady), Soul music (James Brown, Sam and Dave, Wilson Pickett) and all of the Stax recordings (Duck Dunn). When I listened to the radio I was drawned into listening to the bass. I bought an inexpensive bass, DelRay, and took bass lessons with a guitar teacher, Mike Lalli. My first lessons with him were working on scales and playing around chord patterns using all four fingers of the left hand. My main instrument was still trumpet and I studied Jazz and studio music at the University of Miami while playing bass as a second instrument. |
BMF: Iniziamo proprio dai tuoi esordi, Mark. Ci racconti cosa ti ha spinto a scegliere il basso elettrico? MARK EGAN: La chitarra è stata il mio primo strumento che ho iniziato a suonare all’età di nove anni. In seguito, compiuti i dieci anni, sono passato alla tromba. Ero attratto dal suono. Mio padre era un trombettista della Marina. L'ho studiata dalla scuola media alle superiori, e da quindicenne mi sono esibito con alcune band R&B locali. Fu allora che iniziai a subire il fascino del basso. In quel periodo ascoltavo musica pop, il che comprendeva un ampio spettro di artisti che andavano dai musicisti della Motown (James Jamerson) a Jimi Hendrix, i Cream (Jack Bruce), i Beatles (Paul McCartney), Jefferson Airplane (Jack Casady), la musica soul (James Brown, Sam and Dave, Wilson Pickett) e tutti i dischi della Stax (Duck Dunn). Quando ascoltavo la radio mi immergevo nell’ascolto del basso. Così ne comprai uno di fascia economica, un DelRay, e iniziai a prendere lezioni con un insegnante, Mike Lalli. I miei primi esercizi con lui consistevano nel lavoro sulle scale e nel riprodurre giri di basso usando tutte e quattro le dita della mano sinistra. Il mio strumento principale era ancora la tromba così presi a studiare Jazz e registrazione musicale all’Università di Miami mentre mi dedicavo al basso come secondo strumento. |
BMF: You have been one of the very few electric bassists to own a peculiar and distinctive sound, to the point of creating a real bass-oriented movement when everybody was desperate to emulate Jaco. How did you manage to develop what had become your own personal voice as a bass player? ME: As a trumpet player I was very aware of developing an individual sound as I was inspired by trumpet players such as Miles Davis, Clifford Brown, Lee Morgan, Kenny Durham and Chet Baker. I realized that they all had a very individual sound and I was working on my own sound on trumpet. When I switched my major at the University of Miami to bass after two years of study I then applied much of the music sensibilities to the bass and started to practice very seriously on bass. During that time period, before I heard Jaco, I was listening to Dave Holland, Stanley Clarke, Chuck Rainey, Ron Carter, Paul Chambers, Scott Lafaro, Eddie Gomez as well as in the rock world, John Paul Jones, Jack Bruce and many other bass players from the pop scene. When I met Jaco Pastorius in 1972-73 that was the real waking up period for me as far as developing an individual sound. |
BMF: Tu sei stato uno dei pochissimi bassisti elettrici ad avere un suono riconoscibile e identitario, al punto da creare una vera e propria corrente bassistica, in un periodo in cui tutti cercavano disperatamente di emulare Jaco. Ti è stato facile sviluppare quella che poi è diventata la tua “voce” bassistica? ME: In qualità di trombettista ero molto consapevole di sviluppare un sound personale dal momento che venivo ispirato da trombettisti quali Miles Davis, Clifford Brown, Lee Morgan, Kenny Durham e Chet Baker. Avevo intuito che tutti loro possedevano delle sonorità particolari, così iniziai a lavorare sul mio sound alla tromba. Quando cambiai il mio indirizzo, passando dall’Università di Miami allo studio del basso, dopo due anni, trasferii molta della mia sensibilità musicale a questo strumento ed iniziai ad esercitarmi assiduamente. Durante quel periodo prima di scoprire Jaco, ascoltavo Dave Holland, Stanley Clarke, Chuck Rainey, Ron Carter, Paul Chambers, Scott LaFaro, Eddie Gomez e nel mondo rock John Paul Jones, Jack Bruce e molti altri bassisti della scena pop. Quando incontrai Jaco Pastorius nel 1972-73 quello fu il momento dell’illuminazione per me per ciò che riguarda lo sviluppo di un sound individuale. |
When I joined the Pat Metheny group in 1976 was the beginning of the real developmental period when I started to play fretless bass. I realized that the instrument was so expressive and that a melody or bass line could be played countless ways with different nuances around the notes. I realized that the bass is a very vocal instrument in which the notes sustain and are very similar to the human voice. I’ve been exploring these possibilities ever since then and continue to develop my voice on the instrument. |
Quando mi unii al Pat Metheny Group nel 1976 fu l’inizio di una fase di reale evoluzione quando approcciai il fretless. Mi resi conto che lo strumento risultava molto espressivo e che qualsiasi melodia o linea di basso poteva essere suonata infinite volte ma con sfumature differenti ad ogni nota. Avevo capito che il basso è uno strumento vocale in cui le note sostengono e sono molto simili alla voce umana. Da quel momento in poi esplorai quelle possibilità, continuando a plasmare il mio approccio allo strumento. |
BMF: Elements have been, in our opinion and surely the same applies to all the enthusiasts like us, a great duo in the shape of a band: you and Danny Gottlieb have created an high quality and research branding so that your albums have been a crescendo of sound enriching. Despite your indisputable pedigree and the high profile of the project, Elements have not received a unanimous approval by jazz critics. How would you comment on this attitude? How would you describe the music path taken by Elements? ME: Elements is a group that Danny Gottlieb and I formed in 1982. Our goal for all of the recordings has been to play creative music that features not only our chemistry as bass and drums but also to feature great guest artists like Bill Evans, Clifford Carter, Steve Khan, Stan Samole, David Mann and Gil Goldstein and others. I think the direction of our musical sound and style doesn’t comfortably fit in any category so therefore it’s difficult, especially for Jazz critics to appreciate what we do. Danny and I will continue to explore our creative visions as Elements. |
BMF: Gli Elements, nella mia opinione e in quella di tanti altri appassionati come me, sono stati un grande duo “a forma di band”: tu e Danny Gottlieb avete creato un marchio di qualità e ricerca e i vostri album sono stati un crescendo di arricchimento sonoro. Nonostante il vostro pedigree indiscutibile e la qualità del progetto, gli Elements non sono stati accettati all’unanimità da tutta la critica jazz. Non è stato un atteggiamento chiuso e piuttosto miope? Come giudichi, oggi, il percorso degli Elements? ME: Gli Elements sono un gruppo che ho formato insieme a Danny Gottlieb nel 1982. Il nostro obiettivo per tutti i dischi è stato quello di suonare musica creativa che desse evidenza non solo all’intesa tra basso e batteria ma in cui si avvertisse anche la presenza di grandi artisti come Bill Evans, Clifford Carter, Steve Khan, Stan Samole, David Mann e Gil Goldstein ed altri. Credo che l’orientamento della nostra ispirazione musicale e del nostro stile non potesse rientrare agevolmente in una categoria precisa e dunque diventava difficile, specie per i critici jazz, apprezzare quel che facevamo. Danny ed io continueremo ad esplorare le nostre visioni creative come Elements. |
BMF: You recorded your first album “Mosaic” in 1985 which was an innovative work in the landscape of bass and in particular a unique as well as unconventional case compared to “the typical solo bass album”. How was born “Mosaic”? ME: In 1984-85 I was experimenting with many different basses that were made for me by Michael Pedulla. I was composing music which was inspired by his 8-string fretless, double neck bass with 4 fretless and 8 string fretted. I wanted to feature all of these instruments and wrote compositions that would create an atmosphere that they could be feature in. I wasn’t interested in a typical solo bass recording (what ever that is?) and never will be. I’m interested in creating new and experimental music with the basses and compositional sensibilities that I have. I also had the great honor of recording with pianist Mitchel Forman on a few of the tracks. A good analogy about doing what you do is that every one has a speaking voice that is recognizable. You close your eyes and you know who is there speaking….Why would I want to sound like someone else? |
BMF: Nel 1985 incidi il tuo primo album, “Mosaic”. Una novità nel panorama bassistico e, nello specifico, un oggetto unico e controcorrente rispetto al “tipico album da bassista”. Come nacque “Mosaic”? ME: Nel 1984-85 sperimentavo con diversi bassi che venivano realizzati per me da Michael Pedulla. Componevo musica che traeva ispirazione dal suo fretless a otto corde, dal basso fretless con doppio manico a quattro corde e quello fretted a otto corde. Volevo evidenziare tutte le caratteristiche di questi strumenti e comporre musica che potesse creare un’atmosfera in cui potessero distinguersi. Non ero interessato al tipico disco da bassista solista (cosa significa poi?) e mai lo sarò. Mi importa creare musica nuova e sperimentale con i bassi e con la sensibilità compositiva di cui dispongo. Ho inoltre avuto il grande privilegio di incidere con il pianista Mitchel Forman su alcune tracce. Un’analogia calzante, riguardo a ciò che si fa, è che ognuno di noi ha un tono di voce riconoscibile. Ti basta chiudere gli occhi e sai chi è che sta parlando… Perché dunque dovrei desiderare di sembrare qualcun altro? |
BMF: You joined GRP Records in 1988, and you recorded “A touch of light” (an album that I grew up with, ndr). In this album your peculiar sound seems to be even more vibrant than in Mosaic, so full of timbral variations also distant from occidental jazz and with really suggestive tunes. Are you satisfied with that work? ME: “A touch of light” was released 3 years after “Mosaic” and I had developed more compositions that would feature my instruments and sound. I was very deep into sequencing with computers/synths and layering the compositions. Clifford Carter and Danny Gottlieb joined on some of the songs as well as pianist Gil Goldstein and percussionist Café. I really like this recording and the energy that we conveyed. |
BMF: Approdi, nel 1988, alla GRP Records e incidi “A touch of light” (un album con il quale sono proprio cresciuto, nds). Più ancora che in Mosaic, qui il tuo caratteristico suono è ancora più fluttuante, colmo di timbriche anche lontane dal jazz occidentale e con brani di grande suggestione. Sei rimasto soddisfatto di quel lavoro? ME: “A touch of light” è uscito tre anni più tardi rispetto a “Mosaic” e avevo messo giù diverse composizioni in cui i miei strumenti e il mio sound avrebbero trovato la loro dimensione. Ero immerso nel lavoro con i computer e i sintetizzatori, e nella sovrapposizione delle tracce. Clifford Carter e Danny Gottlieb parteciparono ad alcune delle canzoni alla stregua del pianista Gil Goldstein e del percussionista Cafè. Mi piace davvero molto questo disco e l’energia che ne è scaturita. |
BMF: “Beyond words”, that is an album characterized by some strong latin and mystic accents, and “Freedom Town” are two records which both confirm that you’re a role model within the universe of electric bassists. When I listened to them, I got the distinct impression that your expressivity was free from any commercial constraints. Would you like to talk about those albums and describe their development path? ME: “Beyond Words” was inspired by a duo session at my apt. in NYC with the great Brazilian guitarist and composer, Toninho Horta. I wrote my compositions around the songs of him on the record. I wanted it to be Brazilian sounding but also feature my sound and style. At that time there were many radio possibilities for airplay and the record had much success in the USA. I licensed the record to the Mesa Blue Moon record label and later re-released it on Wavetone records and added two bonus tracks. |
BMF: “Beyond words”, dai forti accenti sudamericani e mistici, e “Freedom town” sono due lavori che confermano il tuo ruolo unico nel panorama dei bassisti elettrici. Quando li ascoltai, ebbi chiara l’impressione che la tua libertà espressiva trovasse terreno fertile nel tuo non preoccuparti di troppe implicazioni commerciali… Mi parli di quei due album e di come sono nati? ME: “Beyond Words” è stato ispirato da un incontro nel mio appartamento di NYC con il grande chitarrista e compositore brasiliano Toninho Horta. Ho composto la mia musica partendo dai suoi testi sul disco. Volevo che ne venissero fuori delle sonorità brasiliane ma al contempo desideravo che trasparissero anche il mio sound e il mio stile. A quell’epoca c’erano molte più possibilità di venire trasmessi in dei programmi radiofonici ed il disco riscontrò un grande successo negli USA. Concessi i diritti alla Mesa Blu Moon e più tardi lo feci ristampare dalla Wavetone con l’aggiunta di due bonus tracks. |
“Freedom Town” is a collection of songs that I composed and recorded in my new studio in NY State called Electric Fields. It features my Elements brothers, Danny Gottlieb, Bill Evans and Clifford Carter. Even though it’s the same players as Elements, I wanted it to feature the sound of my basses. Both of these recordings didn’t have commercial constraints and I released both on my record label, Wavetone Records. We now have 25 records on the label and by having my own label I can be creative and not have to please a commercial label. |
“Freedom Town” è una raccolta di canzoni che ho composto e inciso nel mio nuovo studio nello Stato di New York chiamato Electric Fields. Vi figurano i miei fratelli degli Elements, Danny Gottlieb, Bill Evans e Clifford Carter. Anche se non si tratta della stessa formazione ho voluto che emergesse il sound dei miei bassi. Entrambi i dischi non avevano vincoli commerciali così li ho fatti uscire attraverso la mia etichetta che mi consente di essere creativo senza compromessi. |
BMF: Since 2006, as regards your solo career, from “As we speak” onwards, it’s like your sound and the essence of your recordings was close again to jazz; a sort of new phase in your music that drove you to additionally raise the importance of electric bass in more jazz-oriented contexts. The albums licensed by your Wavetone Records are all high-quality projects and they’re also well balanced between sound research and the continuity of tradition. Have you any preview to share with us as regards any upcoming releases or future project? ME: “As We Speak” is a trio project that I recorded at Electric Fields Studio with Danny Gottlieb and John Abercrombie. I had been touring with Larry Coryell and really enjoyed the trio format for an open creative music environment. The songs that I wrote are more in the impressionistic jazz style and were inspired by the ECM sound. I am continually composing and practicing and I have many manuscript books with ideas. When it comes time to record an album the first thing that I do is establish the direction of the project and then I start composing around the artists that I’d like to play with. I go back through my notebooks of ideas that sometimes are very basic. It could be a simple melody or a groove or set of chord changes. Then I start extending these ideas and try to come up with forms and melodies that will be good vehicles for the players to improvise over. |
BMF: Dal 2006, sempre rimanendo in ambito solista, da “As we speak” in poi, è come se il tuo sound e anche lo spirito delle tue incisioni si riavvicinasse al jazz; una sorta di “seconda maturità” che ti ha portato a nobilitare ulteriormente il ruolo del basso elettrico in contesti più marcatamente jazz-oriented. I lavori usciti con la tua Wavetone Records sono tutti di alta qualità e in perfetto bilanciamento tra ricerca sonora e continuità di una tradizione. Cosa puoi anticiparci quanto a prossime uscite? ME: “As We Speak” è un progetto per trio che ho registrato all’Electric Fields Studio con Danny Gottlieb e John Abercrombie. Ero stato in tour con Larry Coryell e mi era piaciuta molto questa formazione per lo scenario aperto di musica creativa. Le canzoni che ho scritto sono più ascrivibili ad uno stile jazzistico e si sono ispirate alle sonorità della ECM. Compongo e mi esercito di continuo e ho diversi manoscritti con varie idee. Quando giunge il tempo di incidere un disco la prima cosa che faccio è stabilire la direzione del progetto e dopo inizio a comporre in base agli artisti con cui mi piacerebbe suonare. Ritorno sulle idee che avevo appuntato, che a volte sono davvero essenziali. Potrebbe essere una melodia semplice o un groove o una serie di cambi di accordo. Poi inizio a stendere quelle idee e cerco di elaborare forme e melodie che possano fungere da spunto ai musicisti per improvvisarvi sopra. |
At Electric Fields studio we try to produce the best quality sounds that are possible. It’s interesting that we spend so much time working on getting the best sound and now most people listen to iTunes files as downloads. Wavetone Records is dedicated to creating Audiophile quality sound with our recordings. We have online outlets that provide the highest resolution sound. Our mixes and masters are recorded and produced with the highest of audio standards. The next releases are a duo project with Danny Gottlieb that will be in two volumes. This is some very open Drums and Bass recordings that we recently did at our Electric Fields recording studio in Connecticut. It features Danny’s beautiful cymbal and drum work as well as multi layered bass and effects. This project is very atmospheric and focuses on the essence of our drum and bass concepts. Another project soon to be released is a trio record with tabla player Arjun Bregman, guitarist Shane Theriot and myself on multiple basses. This also is a very ambient recording that features more of an eastern meditative sound. I have been enjoying the openness and intimacy of duo and trio ever since I played with the Larry Coryell Trio. |
All’Electric Fields Studio proviamo a produrre la miglior qualità di suono possibile. È curioso vedere che investiamo così tanto tempo nel rendere ottimale il sound e ora sempre più persone ascoltano i pezzi su iTunes in termini di downloads. Wavetone Records si focalizza molto sulla resa di un suono ad alta definizione nei nostri dischi. Abbiamo negozi online che soddisfano gli standard per l’alta risoluzione del sound. Le prossime uscite riguardano un duo con Danny Gottlieb strutturato in due volumi. Si tratta di incisioni per basso e batteria ad ampio spettro che abbiamo ultimamente registrato in Connecticut nel nostro studio. Figurano i meravigliosi piatti e la batteria di Danny ed il basso con varie sfumature ed effetti. È un progetto molto d’atmosfera e mira all’essenza del nostro concetto personale di batteria e basso. Un altro progetto che uscirà a breve è un disco per trio con il suonatore di tabla Arjun Bregman, il chitarrista Shane Theriot ed il sottoscritto su una pluralità di bassi. Inoltre si tratta di un disco di stampo ambient che dà vita ad un sound ispirato alla meditazione orientale. Ho sempre apprezzato la franchezza e l’intimità del duo e del trio sin da quando suonavo con il Larry Coryell Trio. |
BMF: Electric bass, in the specific sphere of jazz, has always been (and still is) a sort of “ostracised” instrument often considered “too much” electric as well as transversal to be able to respect a more traditional approach. Thanks to musician like you, Jaco, Steve Swallow, Bob Cranshaw, John Patitucci and many others, don’t you think that this concept has been completely overcome? ME: I love the sound of acoustic bass in all styles of music and especially Jazz. I play acoustic bass and studied with Dave Holland although my focus is on electric at the moment. I feel that electric bass can swing as hard as acoustic and that it really depends on the player as far as the feel on electric or acoustic. Traditional Jazz acoustic bass is the hallmark of that style and shouldn’t even be compared to electric. Electric bass becomes more of a hybrid sound in a traditional setting. |
BMF: Il basso elettrico, in ambito strettamente jazz, è sempre stato – ed è ancora, per molti versi - uno strumento “ostracizzato” e giudicato "troppo" elettrico e contaminato per rispettare l’approccio più tradizionalista. Con musicisti come te, Jaco, Steve Swallow, Bob Cranshaw, John Patitucci e altri, non credi che questa impostazione sia stata definitivamente smontata? ME: Adoro il sound del contrabbasso in tutti gli stili di musica specie nel jazz. Io lo suono ed ho studiato con Dave Holland sebbene al momento sia focalizzato sul basso elettrico che ritengo abbia uno swing tanto solido quanto quello del contrabbasso; dipende tutto dal musicista e dal suo tocco sull’uno o sull’altro strumento. Il contrabbasso nel jazz tradizionale è il tratto distintivo di quel genere tanto da non poterlo neanche comparare all’elettrico che risulta più un ibrido all’interno di un’accezione più classica. |
BMF: You are absolutely the leading musician who’s most accredited to talk about Jaco and to share with us some memories about him… Would you talk about your relationship with him? ME: I met Jaco in 1973 in Miami (Fla). I first heard him play with Ira Sullivan and it was a revelation. He is an innovator and to see this live is difficult to describe other than saying that you are in the presence of brilliance. Jaco and I played in a big band together called Bakers Dozen that was comprised of the top players in the Miami area. I studied with Jaco when he gave lessons in the summer of 1973 at the University of Miami. He taught me different ways of playing diatonic scales, arpeggios and playing melodies and soloing. A one hour lesson with Jaco gave me energy to practice for a month at least. I was in the presence of a genius. He would come over to my apt and play piano and I would play with him chord progressions. Later when he joined Weather Report and I Pat Metheny, we sometimes had co billing on the road and would be great to catch up. Jaco was a wonderful, passionate person who had revolutionized the electric bass. There is a great 2 CD set titled, “Jaco, The Early Years”. This is the period when I knew Jaco and his inspiration for me lives in these recordings. |
BMF: Tu sei senza dubbio il musicista più accreditato per poter parlare di Jaco e sviscerare un suo ricordo… ci parli del rapporto che hai avuto con lui? ME: Ho conosciuto Jaco nel 1973 a Miami (Florida). Lo ascoltai per la prima volta con Ira Sullivan e fu una rivelazione. Egli è stato un innovatore e assistere a quel live… è difficile da descrivere. Non puoi fare altro che ammettere di avere davanti la genialità. Jaco ed io suonavamo insieme in una big band che si chiamava Bakers Dozen i cui membri erano il top dei musicisti nell’area di Miami. Ho studiato con lui mentre dava lezioni nell’estate del 1973 all’Università di Miami. Mi trasmise diversi modi di suonare le scale diatoniche, gli arpeggi e di interpretare le melodie e gli assoli. Una lezione di un’ora con Jaco era in grado di darmi tanta di quell’energia da riuscire ad esercitarmi almeno per un mese. Avevo davanti a me un genio. Mi metteva a mio agio suonando il piano, ed io lo seguivo eseguendo con lui una progressione di accordi. In seguito quando si unì ai Weather Report ed io a Pat Metheny alcune volte ci incrociavamo a degli eventi ed era grandioso chiacchierare con lui. Jaco era una persona appassionata e straordinaria in grado di rivoluzionare il basso elettrico. C’è un CD stupendo intitolato “Jaco, The Early Years”. Si tratta del periodo in cui lo conobbi e la sua ispirazione continua a vivere in quelle incisioni. |
BMF: Among your countless collaborations of the very highest level there’s a name which you are particularly connected to, that is to say the brilliant Gil Evans. Would you like to talk about this artistic encounter and your longstanding collaboration with him? ME: I was always a huge fan of Gil Evans and especially his collaborations with Miles Davis with Sketches of Spain, Quiet Nights, Mile Ahead (Miles Davis plus 19). In 1980 while I was touring with Pat Metheny, Gil Evans called me and asked if I could record and perform with his band in NYC with Billy Cobham on drums. Unfortunately I couldn’t make the dates but I referred bassist Tim Landers, also from my hometown of Brockton Ma. After returning to NYC in 1982 Gil called me again to play with his band in NYC on a regular basis at the club, Sweet Basil. We played there almost every Monday night until he passed away in 1987. During that period we toured in Japan, Europe and the USA and it was some of the most creative music that I have ever been a part of. Gil always gave the musicians the creative space to experiment. Playing his compositions and arrangements was magical. Gil was a genius and I am so blessed to have been in his presence. Gil asked me to write and arrange for the band and gave me a few arranging lessons. The band continues to perform and record under the direction of his sons, Miles and Noah Evans. |
BMF: Tra le tue innumerevoli collaborazioni di altissimo livello c’è un nome in particolare al quale sei costantemente associato, quel genio che è stato Gil Evans. Ci racconti del vostro incontro e della vostra lunga collaborazione? ME: Sono sempre stato un fan sfegatato di Gil Evans in particolare delle sue collaborazioni con Miles Davis, in “Sketches Of Spain”, “Quiet Nights”, e nell’album “Mile Ahead” (Miles Davis plus 19). Nel 1980 mentre ero in tour con Pat Metheny, Gil Evans mi chiamò e mi chiese di registrare ed esibirmi con la sua band in NYC con Billy Cobham alla batteria. Sfortunatamente non riuscii ad accordarmi ma segnalai il bassista Tim Landers anche lui come me della città di Brockton (Massachusetts). Dopo essere tornato a NYC nel 1982, Gil mi chiamò di nuovo per suonare in città con la sua band in una formazone regolare al club Sweet Basil. Iniziammo a esibirci lì quasi ogni lunedì fino a che lui non scomparve nel 1987. Durante quel periodo andammo in tour in Giappone, in Europa e negli States, e fu la musica più creativa di cui abbia mai fatto parte. Gil ha sempre dato ai musicisti lo spazio creativo per la sperimentazione. Suonare le sue composizioni e gli arrangiamenti è stato magico. È stato un genio e mi ritengo così fortunato per essergli stato accanto. Gil mi chiese di scrivere e di arrangiare per la band dandomi alcune lezioni. Il gruppo continua ad esibirsi e ad incidere sotto l’egida dei figli, Miles e Noah Evans. |
BMF: On your Pedulla fretless you’ve already made history, you have played for many years a beautiful double-neck that has found keen followers and you are rightly considered as one of the greatest fretless bassists of all time. Have you ever been attracted to slap’n’thumb technique? And what’s your opinion about the tendency to show off so popular today, by playing on seven, nine or even ten string basses? ME: Thank you. I have been attracted to slap bass technique and sometimes use it sparingly however I am mainly a finger style player and I’m more focused on melodic playing. It really comes down to what the music is calling for stylistically. There are so many amazing slap players that do it so much better than I ever could and I love listening to and respect Marcus Miller, Stanley Clarke and Victor Wooten and many other fine slap players. Music to me is a very sacred medium of communication. When a person is showing off with technique on any instrument, they are not in the moment of the music and communicating from spirit to spirit. In order to play truly creative music you have to be in the moment and surrendering to the music, not getting in the way of it. |
BMF: Con il tuo Pedulla fretless hai fatto la storia, hai suonato per anni un bellissimo double-neck che ha fatto proseliti e sei considerato giustamente uno dei più grandi bassisti fretless di ogni tempo. La tecnica slap’n’thumb ti ha mai attratto? E cosa pensi degli eccessi virtuosistici in voga oggi, con l’utilizzo di bassi a sette, nove e dieci corde? ME: Ti ringrazio. Sono stato attratto dalla tecnica slap al basso e alcune volte la uso ma con parsimonia; ad ogni modo io mi sento principalmente un musicista finger style e sono più focalizzato su un sound melodico. E tutto ciò si riassume in quello che la musica esige stilisticamente. Ci sono così tanti musicisti slap meravigliosi che riescono in questo molto meglio di quanto io potrei impegnarmi a fare. Così mi piace ascoltare e rispetto artisti come Marcus Miller, Stanley Clarke e Victor Wooten e molti altri ottimi bassisti slap. La musica rappresenta per me uno strumento di comunicazione sacro. Quando una persona si mette in mostra attraverso la tecnica su qualsiasi strumento, non si esprime nell’atto della musica, comunicando da spirito a spirito. Se intendi davvero suonare della musica creativa, tu devi trovarti nell’attimo e non intralciarlo. |
BMF: Let’s focus on your relationship with pop and rock music. You have contributed to many works of Sting, Michael Franks, Marianne Faithfull, not to mention the spin-off Arcadia of Duran Duran… and you have always managed to have a deep impact on the sound…Would you like to deepen this aspect of your career? ME: I have always enjoyed collaborating with many different artists from many different styles of music. I’ve been fortunate to able to record with many great pop and rock artists and I look forward to many more projects like this. I would love to deepen this aspect of my career and am always open to new projects. |
BMF: Vorrei chiederti del tuo rapporto con la musica pop e rock. Hai contribuito a lavori di Sting, Michael Franks, lo spin-off Arcadia dei Duran Duran, Marianne Faithfull… e sempre incidendo profondamente nel sound… ME: Mi è sempre piaciuto collaborare con artisti differenti appartenenti agli stili più disparati. Sono stato fortunato ad avere avuto l’opportunità di incidere con diversi musicisti di area pop e rock e non vedo l’ora di cimentarmi in altri nuovi simili progetti. Mi piacerebbe approfondire questo aspetto della mia carriera e sono sempre aperto a nuovi sviluppi. |
Mark Egan on Bass
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BMF: You have confronted and collaborated with many female singers who are artists tout court (songwriters, guitarists, actresses and painters too), such important and various figures like Sophie B. Hawkins, Marianne Faithfull mentioned above, Roberta Flack, Judy Collins, Cyndi Lauper, Mary Fahl, Lili Añel with her deep voice, the talented Deanna Kirk, Rory Block with her blues guitar and you have Grammy nominations with Joan Osborne (Relish 1995), to name a few. If Pedulla is your sound what do you expect from the expressivity of a voice? What should have a singer to get your attention as a musician and a composer? ME: All of the singers that you mentioned are incredible artists with very individual voices and expressions. I’m attracted to singers that have a center of pitch and who can tell a story. Their voice is an instrument and it is very similar to another instrumentalist that has an individual sound and expression. I think you know when you hear someone sing that it is heavenly in a way. That attracts me. |
BMF: Ti sei confrontato e hai collaborato con numerose cantanti che sono artiste tout court (compositrici, chitarriste, attrici e persino pittrici). Figure così diverse e importanti come Sophie B. Hawkins, Marianne Faithful citata prima, Roberta Flack, Judy Collins, Cyndi Lauper, Mary Fahl, Lili Añel con la sua voce profonda. La talentuosa Deanna Kirk, Rory Block con la sua chitarra blues, e ti sei guadagnato una nomination ai Grammy con Joan Osborne (Relish 1995), per nominarne solo alcune. Se Padulla è il tuo sound, cosa ti aspetti dall’espressività di una voce? Cosa dovrebbe avere una cantante per catturare la tua attenzione come musicista e compositore? ME: Tutte le cantanti che mi hai citato sono artiste incredibili con una voce ed una espressività molto peculiari. Sono attratto da cantanti che abbiano un equilibrio nel tono e che siano in grado di raccontare una storia. La loro voce è uno strumento ed è molto simile a quello di uno strumentista che abbia un sound ed una modalità comunicativa individuali. Sai, io credo che quando ascolti qualcuno cantare si tratti di qualcosa di divino in un certo senso. È ciò che mi attrae. |
BMF: In your wide discography there are so many records that today are unfortunately out of print or that are really difficult to find (we can mention the amazing album with Tom “Bones” Malone, "Standards Of Living", for instance). Anyway through your Wavetone Records you have made available some digital releases of your works (one of the latest ones is the remastered digital release of Dade, In The Shade) which is in itself a precious operation. Are you satisfied with the digital format of your works or can we expect to see them reissued in a physical format (cds or vinyl) sooner or later? ME: The music business today is always changing. Cds are selling much less but now there is a rising interest in Vinyl records. All of the Wavetone Records releases are available in Flac that is a higher resolution digital format and many are released as cds. As I mentioned earlier, at Wavetone we are very meticulous in our recording and mastering techniques. We have very high resolution outlets of our mastered that are available in Germany. Our upcoming releases will be released in digital and Cd format as well as the possibility of Vinyl records. |
BMF: Nella tua lunghissima discografia ci sono tanti bellissimi dischi che oggi, purtroppo, sono fuori catalogo e difficilmente reperibili. Penso in particolare al progetto Dade (In The Shade), al fantastico album con Tom “Bones” Malone (Standards Of Living)… e tanti altri. In questo momento in cui il disco fisico sembra scomparire –solo il vinile riemerge in un sussulto di moda- non è un peccato che tanti splendidi lavori non vengano ristampati? E alludo, naturalmente, anche al catalogo Elements… ME: Il business della musica è in continuo cambiamento. I cds si vendono sempre di meno eppure ora c’è un interesse crescente nei confronti del vinile. Tutte le uscite della Wavetones Records sono disponibili in Flac, ovvero un formato digitale a più alta risoluzione e molti escono in cd. Come ho detto prima alla Wavetone siamo molto meticolosi nelle incisioni e nel mastering. Possiamo contare su outlets che rispettano l’alta risoluzione delle masterizzazioni, che abbiamo reso disponibili anche in Germania. Le nostre prossime uscite saranno tutte in formato digitale oltre che in Cd e nella versione vinile. |
BMF: It would be great if you reminisce with us about two musicians whom you worked with: Lew Soloff and Larry Coryell who has recently disappeared… ME: Oh, some of my dearest friends Lew and Larry. I have played with Lew since I first moved to NYC in 1976. We played in a rehearsal band with trombonist Barry Rogers. We recorded many studio sessions in NYC for records, Movies and commercials. Lew was a brother to me and I was in his band called “The Food Group”. We toured in Europe and Japan and recorded three records. We also were members of the Gil Evans orchestra and Lew was a very important part of this group. He had a fantastic imagination and was a trumpet virtuoso. With Gil Evans, Lew had a perfect environment to be creative. We toured in Europe, Japan and the USA and had great times on the road. There are so many Lew stories……..we miss him. I first met Larry Coryell while I was still at the U of Miami in 1974. He was playing with The Eleventh House and I met him through the promoter and helped him around the campus. A year later I met him again at the Jazz workshop in Boston. I later met Larry in NYC and toured in a group with Larry, Warren Bernhardt, Dave Liebman, Joe Beck and Joe La Barbera. That was a great group! In 2002 Larry contacted me to join his trio with drummer Paul Wertico and we toured worldwide for 8 years and recorded one record called Tricycles. Larry was one of the nicest people and had friends all over the world. He always gave Paul and I the space to create and was always creative. He holds an important part of the jazz guitar lineage and I feel so fortunate to have been able to play and record with him. |
BMF: Vorrei un tuo ricordo di due grandi musicisti con i quali hai lavorato: Lew Soloff e Larry Coryell, quest’ultimo recentemente scomparso… ME: Oh, alcuni dei miei più cari amici Lew e Larry. Ho suonato con Lew fin da quando mi trasferii a NYC nel 1976. Ci siamo esibiti in delle prove con il trombonista Barry Rogers. Abbiamo registrato molte sessioni in studio a New York per incisioni, film e pubblicità. Lew è stato un fratello per me ed io ero nella sua band che si chiamava “The Food Group”. Abbiamo girato in Europa ed in Giappone oltre ad aver registrato tre album. Abbiamo anche fatto parte dell’orchestra di Gil Evans e Lew fu un elemento davvero importante del gruppo. Aveva una immaginazione fantastica ed è stato un trombettista virtuoso. Con Gil Evans, Lew, aveva uno spazio perfetto per essere creativo. Ci siamo esibiti in tour in Europa, Giappone e USA come dicevo, abbiamo trascorso dei momenti meravigliosi durante il viaggio. Ci sono così tante storie con Lew.. ci manca. Incontrai per la prima volta Larry Coryell quando frequentavo ancora l'Università di Miami nel 1974. Suonava con gli Eleventh House e lo conobbi attraverso il suo promoter così lo accompagnai a fare un giro del campus. Un anno più tardi lo incontrai di nuovo al Jazz Workshop di Boston. In seguito mi imbattei in Larry in NYC e girammo in tournee con una band composta da Larry, Warren Bernhardt, Dave Liebman, Joe Beck e Joe La Barbera. Quello era un gruppo straordinario! Nel 2002 Larry mi contattò per unirmi al suo trio con il batterista Paul Wertico e ci siamo esibiti insieme in tour a livello internazionale per otto anni e abbiamo inciso un album intitolato Tricycles. Larry è stato una delle persone più carine ed aveva amici in tutto il mondo. Ha sempre dato a Paul e a me lo spazio per esprimerci ed era sempre creativo. Ricopre un ruolo fonamentale nella genealogia della chitarra jazz ed io mi sento così fortunato per avere avuto l’opportunità di suonare ed incidere con lui. |
BMF: We want to know your opinion about the health status of electric bass today. Is there still a current development of the instrument, in your view? Can you mention any bassists who are interesting and undoubtedly very valuable for you? ME: There are so many great electric bassists today. There is still current development with electric bassists in all styles of music. When I go the NAAM show in Los Angeles and listen to the various players I realize how much the instrument has evolved. I feel that many players could be more creative and that if they focused on composition they might develop more of a personal style. Some of the electric players that inspire me are: Anthony Jackson, Victor Wooten, Marcus Miller, Hadrien Feraud, Etienne Mbappe, Linley Marthe... |
BMF: Ci preme molto conoscere la tua opinione circa lo stato di salute del basso elettrico oggi. C’è ancora un’evoluzione in corso, secondo te? E quali bassisti attuali trovi interessanti e di sicuro valore? ME: Ci sono così tanti bassisti elettrici di grande valore oggi. C’è ancora un’evoluzione in itinere dei bassisti elettrici in tutti i generi musicali. Ogni volta che vado al NAAM show a Los Angeles e ascolto i vari musicisti mi rendo conto di quanto lo strumento abbia subito delle trasformazioni. Io credo che molti musicisti possano diventare più creativi e se si concentrassero sulla composizione potrebbero sviluppare uno stile personale. Alcuni dei musicisti elettrici che mi hanno ispirato sono: Anthony Jackson, Victor Wooten, Marcus Miller, Hadrien Feraud, Etienne Mbappe, Linley Marthe… |
BMF: In the 1980s there was a very strong divergence between the world of fusion and jazz, which has provoked much controversy. The emergence of bands like Spyro Gyra, Mezzoforte, Yellowjackets, Steps Ahead and the products of Grp marked a gap with traditional jazz. Is Fusion dead or did it turn into something else? ME: I think fusion still exists and that musicians are still creating instrumental progressive electric music. I enjoy all styles of music and especially like to play creative and electric music. I think that too many labels have been placed on music to make it fit into different categories for commercial airplay and marketing purposes. I enjoy incorporating many different influences to my music and am not concerned with these labels. When I compose for a record, I’m thinking about the musicians and the direction of the music. It could include acoustic elements and Jazz and rock influences. Music of today is multifaceted. |
BMF: Negli anni ottanta ci fu uno stacco molto forte – foriero anche di tante polemiche- tra il mondo del jazz e quello fusion. Il proliferare di band come Spyro Gyra, Mezzoforte, Yellowjackets, Steps Ahead, i prodotti della Grp segnarono uno scarto con il jazz tradizionale. Il movimento fusion è morto? O si è rigenerato in altre forme? ME: Credo che la fusion esista ancora e che i musicisti continueranno a creare musica strumentale progressiva ed elettrica. Mi piacciono tutti i generi di musica in particolare mi piace suonare musica creativa “elettrica”. Ritengo che fin troppe etichette siano state immesse sul mercato musicale per renderlo aderente alle categorie più disparate, e congeniale ai programmi radiofonici e alle strategie di marketing. Mi piace integrare diverse influenze nella mia musica dunque non mi interessano quei tipi di label. Quando compongo per un album mi soffermo a pensare ai musicisti e alla direzione che prenderà la musica. Il che potrebbe includere elementi acustici ed influenze jazz e rock. La musica al giorno d’oggi è multisfaccettata. |
BMF: You have recorded two really important albums together with Pat Metheny, in his first embodiement as Pat Metheny Group (their namesake work and American Garage). What memories did you save from that project? Do you think that the second version of PMG has been the natural evolution of those two amazing works or is it something else? ME: It was a great experience being a member of the original Pat Metheny group. I have so many great memories form touring and recording. We were on the road 300 days a year for four years. We travelled all over the world bringing this music to many listeners. This was a very special time as we were developing a group sound. Pat and Lyle were the composers and arrangers for the group. Lyle Mays contributed so much to the orchestration of the group. This was a time when we were very focused on a group sound as well as each of our individual sounds as players. During the first year and a half we traveled by van all across the USA and opened for acts like; John Luc Ponti, Jan Hammer, Joan Armatrading, Al Jereau, and when the band became more popular we shared the billing with Weather Report, Devo and many other artists. Being in the Pat Metheny group allowed me to focus on my sound as a bassist and work on an individual style and sound. I think that Pat has gone on to develop an individual style and continues to be a leading guitarist in Jazz. I also think that the original group was a very special ensemble. |
BMF: Negli anni ottanta ci fu uno stacco molto forte – foriero anche di tante polemiche - tra il mondo del jazz e quello fusion. Il proliferare di band come Spyro Gyra, Mezzoforte, Yellowjackets, Steps Ahead, i prodotti della Grp segnarono uno scarto con il jazz tradizionale. Il movimento fusion è morto? O si è rigenerato in altre forme? ME: È stata un’esperienza fantastica aver fatto parte del gruppo di Pat Metheny. Ho così tanti ricordi dei tour e delle incisioni. Siamo stati in viaggio 300 giorni l’anno per quattro anni. Abbiamo girato per il mondo così da portare la nostra musica a innumerevoli ascoltatori. È stato un periodo speciale dal momento che ci impegnavamo a sviluppare un sound con la band. Pat e Lyle erano i compositori e gli arrangiatori del gruppo. Lyle Mays ha contribuito così tanto all’orchestrazione. Fu un periodo in cui eravamo focalizzati a costruire un sound d’insieme, curando al contempo individualmente le nostre sonorità in qualità di interpreti. Durante il primo anno e mezzo, viaggiavamo con un furgone per tutti gli Stati Uniti, aprendo diversi concerti come quelli di di Jean-Luc Ponty, Jan Hammer, Joan Armatrading, Al Jarreau e quando la band divenne più popolare iniziammo a condividere gli ingaggi con i Weather Report, i Devo e molti altri artisti. Essere stato nel gruppo di Pat Metheny mi ha permesso di concentrarmi sul mio sound come bassista e di lavorare su uno stile personale. Credo che Pat sia andato avanti nello sviluppo di un proprio sound e continua ad essere un chitarrista di primo piano nel Jazz. Penso inoltre che il gruppo originario fosse un insieme davvero speciale. |